Este 26 de noviembre desde las 6:30 de la tarde, se realizará el 

Docentes y estudiantes de la especialidad de Diseño Gráfico de nuestra facultad se darán cita para intercambiar ideas y experiencias. Se tendrán distintas actividades y regalos. Están invitados todos los docentes de la especialidad y los estudiantes de 3ero, 4to, 5to año, así como los estudiantes de Introducción al Diseño Gráfico.

https://pucp.zoom.us/j/93956560248?pwd=TFdHd3RvTVI1MzhqMjFyUmorU1FPQT09

1er Encuentro de Diseño Gráfico PUCP

Investiga formas de intervenir el espacio público a través del arte. Reflexiona sobre monumentos, performatividades y territorios desde enfoques críticos, colaborativos y experimentales.

Arte Público (1ART74)

Este curso es un taller que tiene como propósito el estudio del color absoluto y relativo, desde la configuración y expresión del espacio plástico de los modelos. Asimismo, se generan espacios para facilitar la comprensión de nociones básicas de color y espacio a través de estudios del natural, sirviéndose de la percepción y representación pictórica en la realidad observada, bajo condiciones lumínicas cambiantes y/o distintos modelos. Los y las estudiantes aplicarán un proceso conceptual, analítico y técnico del lenguaje visual de manera articulada y coherente, donde se priorizarán las cualidades y valores del color como principio modelador de la forma y el espacio. A través de la reflexión, el estudiante empleará un sistema de organización cromática y sensación térmica del color, pigmento, instrumentos y técnicas integrales de la pintura, considerando los cambios que pueden ocurrir en el entorno bajo la metodología propuesta.

Docente: Giuliana Migliori | Moises Quintana | Gabriel Alayza | Diego Molina

Color, Estudio y Espacio

Curso taller que profundiza en el estudio de elementos y relaciones perceptivas de la sintaxis visual a través de ejercicios de observación, análisis, imaginación, creación y representación. El estudiante explora elementos fundamentales como línea, forma (volumen-vacío), espacio, perspectiva, luz y movimiento para generar imágenes bidimensionales. Emplea el dibujo como instrumento principal que permite plasmar imágenes desde la observación y la imaginación, para comunicar ideas. El curso contribuye al desarrollo de las competencias de Comunicación Visual, Representación y Experimentación, Técnica y Producción.

Estudios de Representación (2ART55)

Este curso es una invitación a mirar con otros ojos: los tuyos, los nuestros. En Diseño crítico: Perspectivas de diseño decolonial cuestionamos las narrativas dominantes, recuperamos saberes ancestrales y exploramos el diseño desde lo local, lo colaborativo y lo éticamente transformador. A través de debates, análisis de casos reales y proyectos creativos, repensarás tu rol como diseñador(a) y crearás propuestas gráficas con impacto social y cultural.

Ideal para quienes buscan diseñar con sentido, identidad y conciencia.

Seminario de tema libre 11: Perspectivas de Diseño Decolonial

El curso consiste en la aplicación de conocimientos artísticos y técnicos, que permiten estructurar, diseñar y prototipar mecanismos de papel tridimensionales y móviles aplicados a diversos productos gráficos editoriales.El programa está orientado a conocer y entender las cualidades y comportamiento del papel frente a los dobleces, incisiones y cortes necesarios para generar dispositivos pop-ups originales y creativos para el ámbito editorial. No hace falta tener conocimientos previos y el aprendizaje es evolutivo, por lo que el curso permite que estudiantes de cualquier disciplina puedan tomarlo.

La Tridimensionalidad del Papel (1ART38)

El público que visite la muestra podrá disfrutar del resultado de un proceso de más de dos años de diálogo, experimentación, viajes, pruebas y errores. Un trabajo que se completará con la presencia y mirada personal de cada visitante.

La propuesta se encuentra en la Sala Azul de la Casa O´Higgins de la PUCP en el Centro Histórico de Lima. La muestra se puede visitar hasta el domingo 3 de agosto de 10 a 8 p.m. El ingreso es libre.

A través de “El viaje de la montaña”, Les aborda la conexión entre los seres, el territorio y la memoria. La exposición consta de siete pinturas de gran formato que acompañadas de audios y un video experimental invitan al público a recorrer un viaje íntimo y sensorial hacia la montaña, entendida como un espacio vivo y sagrado.

Para realizar estas obras, Les se embarcó en una investigación bastante personal, la cual fue guiada por un mapa afectivo que la llevó a recorrer San Rafael y la Laguna Mancapozo (Huánuco), el Río Ucayali (Ucayali), el Río Amazonas (Loreto), y el Río Lurín (Lima). 

“Son puntos históricos familiares donde mis abuelos maternos nacieron y en donde se conocieron, también ciudades donde mis padres se conocieron y finalmente donde crecí.” comenta Les.

Les plantea al arte como una forma de conservar los paisajes peruanos desde la experiencia sensible, las historias, formas, texturas y emociones que despiertan. “Para mí, el arte puede hacer visibles las relaciones profundas entre lo humano y lo no humano — como los ríos, montañas y lagos— y recordarnos que la tierra no solo nos sostiene, sino que también nos habla y nos enseña.” Por ello, decidió retratar estos espacios en sus pinturas, brindándoles no solo una dimensión visual, sino también sonora que complementa el viaje por estos.

“Las composiciones sonoras acompañan como espíritus del viaje, son también sonidos de protección para el encuentro con los seres que habitan y recorren la sala de exhibición, son también ofrendas de agradecimiento hacia el río, las plantas y la montaña. (...) Se activan en el encuentro con lxs otrxs, evocando la etimología de la palabra 

, y recordando que la tierra se escucha tanto como se contempla.”

Esta exposición está curada por Luisa Fernanda Lindo, quien también es egresada de la carrera de Pintura y, además, es docente de la Facultad de Arte y Diseño en la actualidad. Luisa Fernanda se sumó a este proyecto por medio de Les quien la invitó a acompañarla desde la curaduría. “En ese momento yo vivía en el campo, así que la recibí, me contó de su deseo de ofrendar a la montaña y lo sentí completamente en sintonía con mi presente.” Tras ello, ambas continuaron conversando acerca de esta propuesta expositiva, la cual empezó a calar en sus vidas, el vínculo entre ellas y con la tierra, a la cual consideran como su casa. 

Luisa Fernanda, como curadora de la muestra, comenta acerca del criterio expositivo que rige “El viaje de la montaña”. “(...) pienso la sala como un espacio ritual y me interesa que las pinturas que penden desde el techo y muestran dos caras, como una continuidad, como el día y la noche, fuesen rodeadas. Entonces, la forma serpenteante asemeja al río que acompaña a la montaña.”

La artista y egresada de la carrera de Pintura, Les Egusquiza, expone en la  Sala Azul de la Casa O’Higgins la muestra “El viaje de la montaña” curada por la docente FAD Luisa Fernanda Lindo.

Orgullo FAD: El viaje de la montaña - Les Egusquiza, curaduría de Luisa Fernanda Lindo

A través de experiencias en campo y metodologías participativas, se trabajan temas como desarrollo sostenible, diversidad cultural, patrimonio natural y co-creación. Estudiantes de todas las disciplinas PUCP y del Consorcio Universitario colaboran en equipos para imaginar y realizar propuestas con propósito, ética y compromiso.

Sketching

Este curso-taller te invita a desarrollar propuestas visuales-volumétricas y espaciales a partir de tus propios intereses y temas de investigación. A través del análisis conceptual y la experimentación con materiales y técnicas de carácter escultórico, podrás desarrollar composiciones tridimensionales de manera creativa, sensible y coherente. Este curso potenciará tu creatividad, desarrollará tu comunicación visual y reforzará tu autonomía en el proceso creativo.  Si te interesa la creación en tres dimensiones con un enfoque artístico, este curso es para ti.

Volumen y Modelado 2

En el curso haremos una revisión del arte contemporáneo peruano desde las discusiones sobre las artes rurales, populares, diaspóricas e indígenas. Destacaremos estas artes como componentes importantes de lo contemporáneo en el Perú y su relación crítica con el contexto global. A través del análisis de obras, trayectorias de artistas y lecturas analizaremos las distintas miradas a estas artes, subrayando la agencia de los artistas indígenas y rurales en estos procesos. 

Crítica de Arte Contemporáneo

Aplica tecnologías digitales para elaborar diagnósticos y planes de conservación preventiva con enfoque ético y sostenible. Explora estrategias situadas para preservar el patrimonio cultural en diálogo con comunidades e instituciones, promoviendo su protección como parte del bienestar colectivo y la sostenibilidad urbana.

Docentes: Ursula Cogorno | Pilar Ríos | María Fernanda Villaverde (Módulo sobre Arte y Patrimonio) y Mauricio Gonzáles | Carlos Yaya (Módulo sobre Tecnologías Digitales)

Conservación Preventiva de Artefactos Culturales

Leyla Fernandez

Lisbeth Hernandez

"El Toque Criollo" se encuentra ahora como parte de las salas expositivas del Tate Modern, lo cual coloca en una vitrina de escala global al archivo de viniles del docente FAD, Raimond Chaves.

Como pasa a menudo en un inicio no hubo una idea de proyecto. Sucedió un hecho concreto: el hallazgo, en 2002, en el mercado de Tacora en La Victoria, de un viejo disco LP editado a finales de los años 60 por Discos Chaves. Este fue un sello discográfico propiedad de mi tío, que él dirigía en la ciudad de Pasto, al sur de Colombia. 

Ese encuentro propició un taller en el Centro Cultural de España en el que invité a los participantes a elaborar imágenes, vía collage digital, usando el formato de las portadas de discos. La idea era cruzar imágenes de archivo, del álbum familiar y del contexto para hacer que esos collages funcionaran como comentarios políticos, sociales y culturales. Lo del álbum familiar tenía mucho sentido pues, mi tío, en los discos que editaba solía recurrir a la familia, es decir a mis primos y primas, a mi madre, entre otros, para hacerlos aparecer en sus portadas.

El taller quedó en ese punto y no tuvo mayor continuidad, lo que si hice aprovechando una época muy viajera, fue empezar a comprar discos en Perú y otros lugares como Colombia, Ecuador, Venezuela, Brasil, Puerto Rico, México, República Dominicana y Nueva York con una idea más clara de empezar a construir una especie de archivo. Esas imágenes contaban muchas más cosas, de lo que a priori pudiera pensarse, sobre el contexto latinoamericano. 

El siguiente paso, en 2003, fue mostrar en una galería de arte en Bogotá una primera versión de El Toque Criollo como archivo de meras imágenes. En 2004 fui invitado por la primavera fotográfica de Barcelona a exponer ese trabajo, pero en esa ocasión el formato fue el de la charla musicalizada pues había empezado a escribir una serie de notas sobre las imágenes. Una presentación híbrida, a mitad de camino entre la charla magistral y una sesión de dj, que daría pie a más versiones en los años venideros. Esas portadas daban para contar montones de cosas y a las canciones también se les podía mucho sacar jugo. En 2006 volví a mostrar las caratulas, acompañadas de esos comentarios, en la Bienal de Sao Paulo y a raíz de eso fue que la Tate Modern se interesó y acabó adquiriendo la pieza. De todas maneras, seguí adquiriendo más vinilos y continué la labor de archivo que desde ese momento se volcó en las charlas.

Más que proyecto, fue un trabajo en proceso que se fue desplegando, creciendo y mudando de formatos entre 2003 y 2015, que fue cuando hice la última presentación musicalizada.

¿Cuáles son algunos de los misterios que se revelan sobre América Latina en estas portadas de vinilos desempolvados?

Más que misterios diría que son constataciones, una mezcla de deseos, imaginarios y reafirmaciones identitarias. También hay que decir que es un conjunto muy variado por más que haya ciertos temas y tipos de imágenes recurrentes. Las portadas muestran de manera clara su ideología, es decir muchas de ellas son machistas, misóginas, patriarcales, clasistas y están muy marcadas colonialmente.

Pero la idea no era ni mucho menos celebrar eso, sino intentar darle la vuelta, reconocer que esas imágenes, nos guste o no, dan una idea de en qué se reconocen nuestras sociedades. De ahí mi voluntad de utilizarlas como un espejo deformado para confrontar lo que todavía, a pesar de cambios positivos, en gran medida, somos social y culturalmente hablando. Claro que también hay otro tipo de imágenes. Portadas que hacen gala de un sentido del humor bizarro y descolocador que no se casa con nadie, otras son sinceras y honestas celebrando lo local y lo autóctono. Algunas son más neutras, otras son costumbristas y hasta inocentes e incluso en algunos casos utópicas. Hay discos conmemorativos como el que celebra la visita de Fidel Castro a Chile en 1971, o sendos discos de homenaje al guerrillero colombiano del M19 Carlos Pizarro, o al narcotraficante, del mismo país, Gonzalo Rodríguez Gacha.

En realidad, las portadas entre los años 60’s y 70’s son muy interesantes pues desarrollan de una manera muy orgánica y nada programática una estética digamos continental, pero que es previa y no está todavía marcada por la globalización y la implantación del modelo económico-político neoliberal.

¿Cuáles fueron los criterios de selección de las portadas expuestas?

El criterio guía que seguí desde un principio fue considerarlas como “documentos históricos” y proponer “escuchar” a esas imágenes para ver qué tenían por contar. Eso pasaba por no considerar a las portadas como elementos aislados. Era necesario agruparlas por parejas, tríos o grupos más grandes para ponerlas a chocar entre ellas. Para que de esta manera los posibles sentidos de las imágenes, al articularse entre sí, crearan lecturas más complejas del contexto latinoamericano. Forzar lo explícito para hacer posible la ambigüedad. 

En otras ocasiones el contrapunto venía de la mano de mis notas y reflexiones buscando contrastar realidades muy contemporáneas y violentas con la aparente vacuidad añeja de algunas imágenes. En las charlas ese contraste a veces era propiciado por los temas musicales escogidos para acompañar a las imágenes.

Un criterio de fondo fue intentar hablar del presente y de lo que del pasado todavía persiste, es decir conflictos y problemáticas no resueltas, a través de un tipo de imágenes con las que varias generaciones habían convivido. En las presentaciones era muy común escuchar que, quién más quien menos, se reconocía esas imágenes pues en sus casas tenían o habían tenido esos discos.

Esa lectura oblicua que se proponía permitía pensar de manera no tan obvia y previsible nuestro contexto. Violencia, deseo y desigualdades hermanadas con la frivolidad, la irreverencia y el sentido del humor. Un cóctel muy actual por otra parte.

¿Qué rol cumple la arbitrariedad en este proceso?

Un rol muy importante. No había una manera fija de crear sentido. A veces las imágenes hablan por sí solas y en otras ocasiones las combinaciones abren la puerta a nuevos relatos. En algunos casos se trataba de proponer asociaciones no muy previsibles, en otros, por el contrario, se trataba de forzar y extremar de manera insistente ciertos sesgos y patrones. Esa arbitrariedad es la que guiaba las decisiones de edición y montaje. Como para dar la sensación de que el relato surgía casi por la propia voluntad de las imágenes.

¿Qué género de música distribuía principalmente la disquera "Discos Chaves"?

Una mezcla de géneros muy locales. Bambucos, pasillos y guabinas que son géneros musicales autóctonos con mucha tradición sobre todo en el sur de Colombia y Ecuador. Pero también boleros, adaptaciones de valses peruanos, música de cantina, raspa, chucu-chucu y música tropical bailable. Pero en el Toque Criollo el porcentaje de Discos Chaves es pequeño en relación al total de portadas utilizadas.

¿Has escuchado alguno de los discos cuyas fundas están siendo expuestas?

He escuchado la mayoría. En algunas ocasiones he llegado a comprar meras portadas sin vinilo o con el vinilo equivocado.

¿Cómo funcionaba la elaboración de las portadas en “Discos Chaves”? ¿Había una persona que se encargaba del diseño en la disquera?

Mi tío se encargaba de ello, más adelante mis primos más mayores se involucraron en ello. También tenían un almacén familiar, del que se encargaba mi tía, en el que se vendían los discos y también instrumentos musicales. Y en Cali mis tías hacían lo propio en otro negocio de su propiedad. Eran el exponente de una clase popular que ascendió socialmente y que con el tiempo se convirtió en una especie de pequeña burguesía local. Todos bastante conservadores la verdad.

¿Hay alguna sensación común que te provoquen las imágenes de las portadas de los discos?

Mi tío nos enviaba cada navidad los discos por correo a Barcelona que es donde vivía mi familia. Crecí con ellos, pero como suele suceder no fue si no mucho tiempo después que me di cuenta de su importancia y valor. Toda mi vida he vivido rodeado de vinilos, y aunque en realidad siempre ha sido así, no es hasta más tarde que caes en cuenta que las imágenes también “suenan”. Y lo hacen de maneras no tan previsibles. Supongo que es el tránsito entre adorar imágenes hacia una visión más materialista la cual te lleva a considerarlas como documentos y estratos de sentido. Eso sí, sin perder el deseo y la ambigüedad por el camino.

¿Cuál es la reincidencia de los “ovnis” en los discos de música chicha peruanos de los 80’s y cómo es que esta portada se inserta en el tejido social-cultural peruano de entonces?

Quizás fue un simple guiño comercial dado el auge que en esa época tenían ciertas figuras locales ligadas a supuestos avistamientos de OVNIS. O, por el contrario, y prefiero esta hipótesis, era una manera de sentirse, de manera positiva y en clave emancipadora, como un alienígena en un contexto racista y hostil. La idea utópica de pensar que el futuro iba unido al progreso y a la superación de conflictos y desigualdades. Algo similar a lo que en los Estados Unidos se ha venido en denominar, de manera retrospectiva a veces, Afrofuturismo. El equivalente local, más reciente, y que se conoce entre nosotros como Futurismo Andino. En su momento un músico de jazz afroamericano como Sun Ra desarrolló esa idea de conexiones interestelares tanto en su música como en clave ideológica. Dudo que haya habido, en su momento, un conocimiento entre esas experiencias, pero, no importa, muchas veces -y eso ocurría bastante antes de la globalización, se reaccionaba de maneras parecidas a coyunturas complicadas y angustiantes.

¿Podrías comentarnos de la portada del disco “Fogoso Impacto” de Enrique Lynch y su conjunto?

En lo que tiene algo de pirueta argumentativa propongo entenderla como una versión -involuntaria- del 

, la pieza objetual de Marcel Duchamp. Para ello sigo la lectura que de esa obra hace el poeta e intelectual mexicano Octavio Paz y resulta que, de manera un tanto “arbitraria”, aunque quizás no tanto, empiezo a encontrar paralelos entre lo que muestra 

 y la interpretación que de Duchamp hace Paz. Lo que reafirma mi voluntad de “dejar hablar” a las imágenes y por tanto la necesidad de “escucharlas” y no tanto interpretarlas o analizarlas. Eso que con tanta insistencia se arrogan ciertas disciplinas.

¿Qué relación encuentras entre la creación de estas portadas y la práctica artística latinoamericana actual?

Quizás no son tan actuales, pero se me vienen nombres de artistas con una impronta pop y a la vez interesados por lo autóctono y que tanto leen lo global desde una óptica local, como se preguntan sobre cómo incide lo global en nuestros contextos. Pienso en los mexicanos Felipe Ehrenberg y Melquiades Herrera, o lxs colombianxs, Beatriz González o Wilson Díaz y Juan Mejía ambos más jóvenes. O el peruano William Córdova que también tiene una obra hecha con carátulas de discos. Y con otra realidad y otros íconos en mente, por ser mucho más jóvenes lxs peruanxs Jorge Miyagui o Alliepori.

Desde febrero de 2025, Raimond Chaves, artista y docente de Grabado FAD, expone “Toque Criollo” en el Museo Nacional Británico de Arte Moderno “Tate Modern”. Esta es una exposición de portadas de vinilos que Raimond ha rescatado del sello discográfico que dirigía su familia en la ciudad de Pasto (Colombia): Discos Chaves. La FAD lo entrevistó y Raimond cuenta acerca de cómo surgió este archivo, las temáticas que abordan sus portadas y la relación que tienen las piezas con su vida personal.

Orgullo FAD | Toque Criollo de Raimond Chaves

La exposición estará abierta al público del 26 de junio al 12 de julio.

Lugar: Sala Winternitz (Facultad de Arte y Diseño, Pabellón Y)

Horario: Lunes a viernes de 10 a.m. a 8 p.m. y sábados de 10 a.m. a 3 p.m.

Joakyna emprende esta exposición a partir de la investigación que realizó para su tesis de licenciatura, la cual abordó la problemática de los procesos de contaminación en la costa norte peruana, específicamente de la región de Piura. El resultado de esta investigación se presentó durante el periodo de pandemia y, ahora, se muestra en la Sala Winternitz de la FAD, sumando nuevas perspectivas y reflexiones que Joakyna ha introducido a su trabajo.

Esta muestra es un proyecto artístico que utiliza combinaciones de papeles que alternan experiencias, recuerdos y registros del recorrido por la región de Piura, donde fue el primer acercamiento de Joakyna con la naturaleza. El circuito de estos dibujos e impresiones aborda conceptos y significados como lo onírico, el imaginario, la nostalgia y el archivo personal. En este caso, la añoranza es un impulso para la recolección de fragmentos del paisaje; sin embargo, el recuerdo se quiebra al constatar la crisis ambiental del territorio piurano, ahora amenazado por el extractivismo y la contaminación.

Joakyna Domenak, artista egresada de la carrera de Grabado PUCP, presenta su exposición "Paisajes Fragmentados" en la Galería de la Facultad de Arte y Diseño Adolfo Winternitz.

Paisajes Fragmentados: Joakyna Domenak

Arturo Caceda

Fabian Rodas

Micaela Esteves

Juliano Guimarães

Arquitecturas Psíquicas no propone una mirada objetiva sobre la ciudad, sino una experiencia inmersiva y sensorial que invita a reconocer la forma en que habitamos los espacios y cómo estos se graban en nuestra memoria a través del cuerpo. Es una exploración simbólica y profundamente personal sobre lo urbano, lo íntimo y lo emocional.

“La percepción que tenemos de la ciudad se construye en función a cómo el cuerpo la transite”, señala la artista. Desde esta premisa, la obra central representa un recorrido simbólico por tres territorios clave: el Centro Histórico de Lima, Villa El Salvador y el mar. Cada uno de estos espacios funciona como un nodo emocional, como un vestigio de historia personal y colectiva.

“El personaje femenino de la videoinstalación que representa a la ciudad recorre los caminos de una memoria ficcional [...] Estos sucesos marcan hitos que conforman una cartografía interior

El Centro Histórico aparece como un punto de confluencia entre el pasado histórico y sus reminiscencias a diferentes momentos arquitectónicos. Villa El Salvador, por su parte, representa la periferia como lugar de resistencia, expansión y posibilidad. Finalmente, el mar cruza los lugares antes mencionados y actúa como desenlace de este recorrido, como símbolo de lo expansivo, orgánico y fluido tanto del cuerpo como de la ciudad. Villavicencio añade, “Toda creación parte de ciertas reseñas autobiográficas que son las que permiten ahondar en ciertas grietas de la realidad. Cuando recorremos la ciudad desde una cartografía real, inevitablemente se superpone nuestra realidad emocional”.

En la muestra, el personaje atraviesa la ciudad con una piel-cartografía, marcada por símbolos, huellas y tensiones. El trabajo visual recurre tanto a planos abiertos de paisajes urbanos y naturales, como a registros cercanos del cuerpo en tránsito. “Ese traje-piel remite a la mutación constante del espacio psíquico”, señala Karla. “Hay elementos puramente orgánicos como vestigios: por ejemplo, la mata de cabello irrumpe en la composición simulando trazos que terminan siendo tensiones abstractas. Tensiones y suspensiones que finalmente vivimos de alguna forma entre la ciudad y el cuerpo”.

La artista y docente FAD Karla Villavicencio presenta “Arquitecturas Psíquicas"

, una exposición curada por Max Hernández-Calvo que invita a explorar la conexión simbólica entre el cuerpo, la arquitectura y la memoria. A través de una videoinstalación y diversos medios artísticos, Villavicencio propone un viaje introspectivo y ficcional donde los espacios urbanos se entrelazan con la historia emocional de un personaje femenino que recorre Lima como si atravesara su propia psique.

Orgullo FAD | La artista y docente de la carrera de Pintura Karla Villavicencio presenta “Arquitecturas Psíquicas"

Informe del Acta del Consejo FAD 29MAY25

Nuestros docentes FAD han creado este espacio que alberga estrategias y recursos pedagógicos que dinamizan el trabajo de los profesionales y no profesionales dedicados a la enseñanza del arte y el diseño. El objetivo es fomentar la creatividad y adaptación a las necesidades de los estudiantes, enriqueciendo  sus procesos de aprendizaje.

Esta plataforma ofrece un modelo efectivo para el desarrollo profesional y la colaboración entre docentes en la promoción de competencias genéricas en el aula.

Estrategias Docentes para Arte y Diseño

“RIKA: Dos Décadas de Diseño con Propósito” estará abierta al público desde el 29 de mayo en la Sala Winternitz, de la Facultad de Arte y Diseño de la PUCP. La muestra estará abierta hasta el 19 de junio de 2025 y es de acceso libre.

Si eres externo a la comunidad PUCP, insríbete 

Esta exposición retrospectiva de la trayectoria de la marca RIKA, recorre los principales hitos, materiales y colaboraciones que han definido su enfoque en diseño sostenible, circular y comprometido con lo local.

Fundada en 2004 por la artista plástica Kareen Nishimura Doy y el diseñador industrial y educador Ricardo Geldres Piumatti, RIKA nació en un contexto donde aún no existía un mercado consolidado para el diseño de productos sustentables en el Perú. A lo largo de dos décadas, la marca ha desarrollado una propuesta coherente basada en estrategias circulares, la co-creación y una mirada crítica sobre el consumo y la producción.

La muestra reúne más de 80 piezas, entre mobiliario, luminarias, objetos utilitarios, objetos de decoración y accesorios de la moda, organizadas en seis secciones temáticas que dan cuenta de la evolución estética, técnica y conceptual de RIKA. Desde sus inicios experimentales con objetos reutilizados hasta sus producciones actuales, cada pieza expuesta refleja una profunda exploración del potencial del diseño como herramienta de transformación social, cultural y ambiental.

Entre los materiales destacados se encuentran la madera recuperada, el cartón corrugado, el caucho recuperado, las fibras naturales y diversos objetos y materiales de posconsumo resignificados. Cada uno ha sido abordado desde un enfoque creativo que privilegia la experimentación, la producción en pequeña escala y la autonomía en los procesos.

La muestra no solo celebra dos décadas de una marca, sino también una forma distinta de hacer diseño en el Perú, con raíces locales, visión global y compromiso con los desafíos de nuestro tiempo y constituye una invitación a repensar la relación entre diseño, sostenibilidad, comunidad y vida cotidiana.

La Facultad de Arte y Diseño de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) y la carrera de Diseño Industrial, en colaboración con la marca RIKA, organizan la exposición “Rika: dos décadas de diseño con propósito”.

Exposición RIKA: 20 años de Diseño con propósito

La exposición podrá ser visitada del 9 al 13 de junio en calle Los Laureles 365, San Isidro (sede de la SNI) de 8 a.m. a 6 p.m.

Por segundo año consecutivo, la Facultad de Arte y Diseño de la PUCP y la Sociedad Nacional de Industrias llevan a cabo el concurso “Crea Sostenible”. Este concurso busca visibilizar e invitar a la reflexión sobre la importancia de la sostenibilidad para el sector industrial desde la creatividad.

El certamen se hizo público durante el mes de marzo, y convocó a estudiantes de cuarto año en adelante y egresados de los últimos cinco años de la FAD (PUCP) a realizar una obra de arte o diseño inspirada en la temática “industria sostenible”. Por ello, para la realización de sus creaciones, los participantes hicieron uso de residuos o merma de fábrica como materiales para sus trabajos. Estudiantes y egresados recogieron insumos de metal, vidrio, tela, entre otros brindados por las empresas asociadas a la SNI, los cuales, ahora, ven una segunda vida a través de sus trabajos.

Los más de 40 participantes inscritos en el certamen tuvieron aproximadamente un mes para la realización de su creación. De ellos, 12 trabajos han sido seleccionados como finalistas, los cuales serán expuestos en los diversos espacios de la sede de la Sociedad Nacional de Industrias en San Isidro. 

Stephanie Urbano Párraga - Diseño Industrial

Mario Rodríguez Romero - Arte, Moda y Diseño Textil

Carolina Poma Acevedo - Arte, Moda y Diseño Textil

Ariana Poma Acevedo - Arte, Moda y Diseño Textil

Lizeth Reategui Guardia - Diseño Industrial

Las creaciones ganadoras serán adquiridas por la Sociedad Nacional de Industrias y formarán parte de su colección, la cual se encontrará permanentemente exhibida en su local. Para muchos estudiantes y recientes egresados, esta representa la primera oportunidad de una institución adquiriendo sus obras de arte y diseños.

Esta exposición, enmarcada en la Semana de la Industria 2025, sirve como vitrina para jóvenes artistas y diseñadores, además de invitar al público a reflexionar sobre el impacto ambiental de las acciones humanas, y a hacerle frente al cambio climático desde la creatividad. 

La exposición reúne obras de arte y diseños de los 12 finalistas del concurso gestionado por la Sociedad Nacional de Industrias y la Facultad de Arte y Diseño, hechas por estudiantes y egresados de esta casa de estudios.

Crea Sostenible 2025

Informe del Acta del Consejo FAD 29ABR25

Informe del Acta del Consejo FAD 20MAR25

Informe del Acta del Consejo FAD20FEB25

Conoce más sobre la reacreditación de Escultura en la cuenta de Instagram 

En el año 2018, la carrera de Escultura logró su primera acreditación internacional ante la IAC-CINDA por tres años, certificación que renovó en 2022 por un periodo de cinco años. Con miras a lograr una nueva reacreditación hacia el año 2026, la Escultura se prepara con una autoevaluación que le permite conocer sus fortalezas y puntos de mejora de cara al organismo internacional, con el fin de potenciarlos previo a la evaluación oficial.

El modelo de evaluación del IAC-CINDA establece estándares de calidad en gestión académica, formación integral, recursos institucionales, cumplimiento del perfil de egreso y otros rubros pertinentes según las particularidades de la especialidad. Tanto la Facultad de Arte y Diseño como la carrera de Escultura se ven beneficiadas del análisis y el diseño de las propuestas para potenciar estos aspectos. 

Ursula Cogorno, Directora de la especialidad de Escultura, comenta que este compromiso trasciende la historia reciente de la carrera y remarca la importancia del enfoque participativo de la reacreditación. “

A lo largo de casi una década, desde 2015, hemos consolidado una cultura de autoevaluación que nos permite tomar decisiones informadas y estratégicas. A partir del análisis de información relevante sobre la carrera, hemos establecido planes de mejora continua que recogen las voces de estudiantes, egresados, docentes y empleadores, y que son retroalimentados por expertos internacionales.”

La reacreditación conlleva identificar las fortalezas y oportunidades de mejora, a través del recojo sistemático de las opiniones de estudiantes, egresados/as, docentes, autoridades y aliados sobre el funcionamiento del programa. Se podrá realizar un monitoreo del bienestar y el desarrollo de la comunidad académica de Escultura y buscar mejoras a partir de consensos generados entre los distintos actores que la conforman. 

Verónica Crousse, docente de la especialidad, recalca la importancia de la acreditación y la reacreditación para una gestión académica que busca una mejora constante. Comenta que 

“han instalado en la carrera una cultura de autoevaluación continua y diseño de un plan de acción. Esto hace que la comunidad de Escultura sea dinámica y que esté permanentemente trabajando en el logro de objetivos trazados para seguir creciendo hacia una oferta formativa de calidad.”

La docente de Escultura, Marta Cisneros, ha sido partícipe e impulsora de más de un proceso de acreditación de la carrera. Desde su experiencia, comenta las acciones en concreto que se realizaron como resultado de las certificaciones anteriores. Entre ellas, se encuentra 

“el cambio de plan de estudios, un perfil de egreso actualizado, mejoras en la infraestructura, y la incorporación de cursos y concentraciones que apuntan a ofrecer rutas de desarrollo profesional relevantes en el contexto cultural y laboral para los estudiantes.”

Tras culminar este proceso, Escultura contará con un programa diseñado para implementar ajustes en distintas áreas de la especialidad. Este también tiene un impacto a nivel Facultad, pues sirve como referente de gestión académica desde el arte, y permite sistematizar dinámicas y acciones que se encontraban insertadas en la dinámica de trabajo cotidiano de la Facultad de forma espontánea. Pilar Kukurelo, Decana de la Facultad de Arte y Diseño, afirma que 

“la acreditación y reacreditación aportan un valor estratégico a la unidad en tanto se convierten en una verdadera herramienta de gestión que brinda insumos para la planificación y la toma de decisiones informada en los procesos de mejora continua.”

Este es un proceso de duración prolongada que implica una colaboración conjunta entre estudiantes, docentes, egresados y administrativos. Por ello, la especialidad de Escultura invita a su comunidad a involucrarse en las distintas etapas de la reacreditación. 

La especialidad de Escultura se encuentra atravesando un proceso de reacreditación internacional ante el Instituto Internacional para el Aseguramiento de la Calidad (IAC-CINDA). 

¡Escultura busca su reacreditación!

Horario: Lunes a viernes de 10 a.m. a 8 p.m. y sábados de 10 a.m. a 3 p.m. 

 / Sala Winternitz, Facultad de Arte y Diseño PUCP

: Vics Crisóstomo, Fernanda Gastañaduy, Denis Huamán, Nils Huasaca, Alberto Lazo, Alejandro Medina, Elizabeth Pastor, Grecia Periche, Emily Polo, Alexandra Rodríguez, Juan Diego Segura, Marysol Vega, Daniel Virú, Juan Ylizarbe.

La muestra revisa la obra de Héctor Velarde (1898-1989), arquitecto peruano con obra destacada durante la primera mitad del siglo XX, que ejerció como proyectista, escritor, investigador, dibujante y docente. Se abordan tres obras de las décadas de 1930 y 1940: el Casino Náutico de Ancón, los Baños de Miraflores y el Club Regatas Chorrillos, las tres proyectadas para ubicarse en el litoral limeño. 

La exposición está conformada por videos documentales, maquetas a escala y láminas infográficas, material producido por un equipo de 14 estudiantes de Arquitectura PUCP, bajo la dirección del profesor Víctor Mejía en el curso Taller de Investigación. Se exhiben además documentos y planos originales de Héctor Velarde, elaborados entre 1935 y 1942, y preservados en el Archivo de Arquitectura PUCP. 

 busca analizar las numerosas conexiones entre el arte y arquitectura, también revisitar la obra de Velarde, así como mostrar y promover el trabajo de investigación a nivel de pregrado en la PUCP, producción a veces poco conocida, pero importante por su carácter iniciático y formativo.

La muestra “Héctor Velarde. Mirar el mar” es un proyecto expositivo seleccionado de la convocatoria de la Sala Winternitz de la Facultad de Arte y Diseño para la temporada 2024-2025.

Exposición Héctor Velarde Mirar el mar

Saúl Vásquez

Sobre sus reconocimientos por sus proyectos, finaliza: “Me siento inmensamente feliz y agradecida. Que mi trabajo haya sido reconocido, tanto a nivel nacional como internacional, me llena de emoción y me da mucha visibilidad. Pero sobre todo, me alegra por el equipo con el que trabajo”.

Tras el éxito de Incas: una gran historia, la editorial Pichoncito, en colaboración con el MALI, le propuso trabajar una especie de precuela. Así nació “Culturas milenarias del Perú”, un libro que, como comenta Melissa, busca “dar visibilidad a la riqueza y diversidad de culturas que florecieron en el territorio peruano mucho antes de los incas”.

El proceso de creación fue colaborativo y tomó cerca de un año. Desde la estructura narrativa hasta el trabajo visual, cada parte del libro fue construida desde el diálogo y la reflexión. 

“Mi rol dentro del equipo es pensar cómo comunicar visualmente lo que queremos contar en cada escena: ritmo, atmósfera, color. Que cada lámina funcione como una pequeña ventana a otra época, pero también como una experiencia emocional”

Además de este proyecto, Melissa creó “La Mascota”, obra con la que ha sido seleccionada para participar en la prestigiosa exhibición de ilustradores de la Feria de Bolonia 2025. Nació durante la pandemia y tiene raíces profundamente personales. “Estaba atravesando una etapa muy oscura y desafiante, y en medio de ese caos apareció una gata callejera. (...) Su compañía me dio consuelo, estructura y una nueva forma de ver las cosas, justo cuando más lo necesitaba”.

La obra narra el encuentro entre una gata y una pequeña criatura que padece una condición llamada 

, una metáfora visual y emocional de sus vivencias. Melissa, a través de esta obra, busca homenajear ese amor silencioso y paciente que, sin pedir nada a cambio, nos acompaña y a veces es justo lo que necesitamos para salir de nuestra propia

A través de manchas de acuarela y juegos de proporciones, el relato cobra vida con una sensibilidad única. La transformación visual entre los personajes refleja el crecimiento emocional que atraviesan juntos. “Quería que toda la serie se sintiera sobrecogedora, como esos días en los que todo te abruma”.

Para Melissa, su formación en Diseño Gráfico en la PUCP ha sido clave en el desarrollo de su camino como ilustradora. 

“La investigación, la composición visual y, sobre todo, la perseverancia, son pilares que aplico en cada nuevo proyecto. Todo ese bagaje académico me dio herramientas sólidas para pensar, construir y comunicar visualmente con intención y sensibilidad”

Foto: Javier Zapata

Melissa Siles, ilustradora y diseñadora gráfica egresada de nuestra Facultad, ha sido recientemente reconocida con dos importantes premios por su trabajo: el 

Premio Luces 2025 por “Culturas milenarias del Perú” y su selección en la exhibición de ilustradores de la Feria del Libro Infantil de Bolonia 2025 por “La Mascota”

Orgullo FAD | Melissa Siles

Próximamente, se brindará mayor información acerca de cómo participar de los espacios y proyectos que forman parte de esta alianza. Los cuales benefician tanto a la comunidad de Arte y Diseño PUCP como a la comunidad estudiantil del Markham College.

El Rector de la PUCP, el Dr. Julio del Valle, y el Director del Markham, Marco Elías Bassino Pinasco, firmaron un convenio que acerca a ambas instituciones educativas desde el campo del arte, el diseño y la creación. Con la presencia de la Decana de la Facultad de Arte y Diseño PUCP, Pilar Kukurelo, la ceremonia de esta alianza a nivel institucional representa un acercamiento de la FAD y el Departamento de Arte del Markham representado por su docente Zoe Coughlan.

Este convenio permitirá a estudiantes de la FAD complementar su educación a través de experiencias formativas en el Markham como proyectos de voluntariado incluidos en sus planes de estudio. Esto acercará a los estudiantes a diversos contextos, donde podrán poner en práctica lo aprendido en las aulas y los talleres. 

Así mismo, la FAD contará con una presencia constante en las actividades de orientación vocacional del Markham College. Donde podrá exponer acerca de los programas educativos de sus carreras y los espacios que ofrece a sus estudiantes.

El Markham College también contará con presencia de la FAD a nivel académico a través del curso de Arte de esta institución educativa, donde docentes de la Facultad de Arte y Diseño se verán involucrados en la construcción de su sílabo y serán responsables del 20% de la calificación de los proyectos finales de esta materia. De igual manera, docentes FAD tendrán la posibilidad de dictar una charla al año en coordinación con el Departamento de Arte del colegio.

Los estudiantes del Markham podrán asistir a una visita al año en el campus y otros espacios donde la FAD realice talleres, exposiciones entre otras actividades culturales. Su participación les permitirá ser parte de experiencias vivenciales de las disciplinas de arte y diseño desarrolladas por la PUCP.

La PUCP, a través de la Facultad de Arte y Diseño, y el Markham College han firmado un convenio que brinda oportunidades académicas, y de creación a los estudiantes y docentes de ambas instituciones.

La PUCP y el Markham College se unen a través del arte y el diseño

El talento y dedicación de Fátima han sido reconocidos en diversas competencias internacionales. 

Golden Pinwheel Young Illustrators Competition

. Su trayectoria incluye reconocimientos en el 

14 Iberoamérica Ilustración Competition

 en México y la identidad visual del 60 aniversario de la 

Actualmente, la artista sigue explorando nuevas historias y preparando el lanzamiento de dos nuevos libros para finales de este año: 

"Estoy muy feliz de seguir trabajando en nuevos proyectos. Finalmente, puedo dedicarme a tiempo completo a una actividad que me apasiona".

Desde el inicio, la autora tuvo claro que quería desarrollar una historia que evocara una conexión familiar y, al mismo tiempo, fuera una experiencia visual rica en formas, colores y detalles.

 "Admiro mucho el trabajo de editoriales que le dan la importancia y dedicación a cada detalle de un libro, yo quería lo mismo para mi proyecto", comenta la ilustradora, quien trabajó cada elemento junto con la editorial 

El amor por los animales ha sido una fuente constante de inspiración en su trabajo. "Tuve una perrita durante 16 años y fue la mejor compañía que pude tener. Ahora, vivo con una gata, y es una inspiración y aprendizaje constante", comparte. La observación de la naturaleza y el dibujo en bitácoras se convirtieron en herramientas fundamentales para el desarrollo de 

Para dar forma a este libro, la autora realizó un proceso exhaustivo de documentación, que incluyó visitas a museos, zoológicos y la visualización de documentales. En paralelo, trabajó su texto con la retroalimentación de profesores y compañeros. En cuanto a las técnicas, experimentó con la punta seca, monotipia, serigrafía, acuarelas, tintas, lápices y tizas pasteles. Gracias a estas exploraciones técnicas, logró reunir una amplia variedad de pruebas que le permitieron definir con mayor claridad los materiales más adecuados para sus ilustraciones finales.

Su paso por la PUCP fue clave en su camino como ilustradora, especialmente en su especialización en libros álbum. "Mi formación en Diseño Gráfico ha sido fundamental para entender y crear libros infantiles. Hay muchos elementos que conforman el libro álbum, como las guardas, tipografías, portada, etc., que son diseñados para que dialoguen con las ilustraciones y textos", señala.

Para quienes buscan desarrollarse en el ámbito de la ilustración infantil, su principal consejo es mantener la curiosidad: 

"Lo que más me ha servido para entender mejor este camino ha sido nutrirme de otras disciplinas como la danza, la música y el teatro"

. También resalta la importancia del juego y el descanso, ya que son las actividades que realiza fuera de su espacio de trabajo las que la motivan e inspiran a regresar a su escritorio y continuar dibujando. Para Ordinola, mantener viva la curiosidad y la capacidad de asombro frente al mundo que la rodea es esencial para seguir disfrutándolo.

Fátima Ordinola, ilustradora y egresada de Diseño Gráfico PUCP, publicó 

: su primer libro álbum, que explora los lazos familiares a través de la mirada de distintos animales.

 Este proyecto nació durante sus estudios en la Maestría de Ilustración para Libros Infantiles en la Cambridge School of Art, Anglia Ruskin University.

Orgullo FAD | Our Love de Fátima Ordinola

Jorge Montano

Horario: De lunes a viernes de 10 a.m. a 8 p.m. y sábados de 10 a.m. a 3:00 p.m.

Lugar: Galería Adolfo Winternitz, Pabellón Y de la Facultad de Arte y Diseño PUCP

El público externo a la comunidad PUCP, puede inscribirse en el siguiente 

La muestra exhibe libros tridimensionales de la  colección personal de Selene Tinco y de las colecciones de sus invitados:  David Tapia, Isabelle Torrubia,  Revista de literatura infantil y juvenil Crayolas y Papel, Editorial Sexto Piso, Ediciones Tralarí, Fondo de Cultura Económica Perú y la Sala de lectura Vallecito. Esta destaca la variedad de expresión e interacción que los libros ofrecen, gracias a recursos  como pegatinas o adhesivos, solapas, lengüetas interactivas o elementos pop-up  para  figuras tridimensionales en papel, entre otros.

” es una muestra que ejemplifica la diversidad de opciones de construcción e interacción propias del libro tridimensional. El lector emprende un viaje exploratorio que incrementa la legibilidad del libro, pese a su complejidad física. Su navegación por la multiplicidad de elementos promueve la creación de asociaciones,  re-vitalizando la lectura. El cuerpo expandido del libro tridimensional provoca aventurarse al descubrimiento a través de espacios de sentido y forma. 

Esta muestra también es una gran oportunidad  para conocer este mundo de creadores literarios, comenzando con  Robert Sabuda, David A. Carter, Philippe UG, Květa Pacovská,  Eric Carle, entre otros. Sin olvidar destacar el rol de los editores y gestores que llevan a cabo esta exhibición como la organizadora de la muestra, Selene Tinco, cuya colección y visión de la cultura editorial son ejemplos de la pasión por el libro y por esta  aventura del conocimiento que abre espacio a  la imaginación y transforma a quien ingresa en su mundo.

(Adaptación del escrito de Mihaela Radulescu de Barrio de Mendoza, 2016)

En la cultura actual, el libro ha desarrollado nuevas posibilidades de expandir su propuesta de generar mundos para sus lectores, particularmente, para el público infantil y adolescente. Ha enfocado la tridimensionalidad como una herramienta moderna, relacionada con el arte, el diseño, la arquitectura, el cine y la ciencia. El libro tridimensional propone la interacción de lenguajes diferentes: verbales, icónicos, plásticos, espaciales y ópticos con vínculos dialógicos interactivos, donde el lector experimenta con la misma generación de la información, a través de acciones físicas que forman parte de la construcción conceptual y emocional del libro. 

Exposición "En el mundo de los libros"

Alessia León

Estrellita Peña

Los Premios Luces se designan mediante voto electrónico, a través de la siguiente 

. Todas las personas pueden votar por el nominado/a de su preferencia hasta los primeros días del mes de abril.