Dorita Lizbeth Riega Diestra, ganadora del Fondo Extraordinario de Apoyo a la Investigación para Estudiantes (FEAPE 2021), sustentará la tesis “El Diseño de Moda como forma de Resistencia a la Masculinidad Hegemónica" para optar por el título de licenciada en Arte, Moda y Diseño Textil.

Los interesados deberán completar el siguiente formulario Zoom de inscripción: 

https://pucp.zoom.us/meeting/register/tJwuf-qurT4qE9b6BGYrQhDsIUu6p5vo0oJY

*Luego de la inscripción, recibirá un correo electrónico con la información para unirse a la sesión.

Tesis | El Diseño de Moda como forma de Resistencia  a la Masculinidad Hegemónica

Leyla Fernandez

Lisbeth Hernandez

"El Toque Criollo" se encuentra ahora como parte de las salas expositivas del Tate Modern, lo cual coloca en una vitrina de escala global al archivo de viniles del docente FAD, Raimond Chaves.

Como pasa a menudo en un inicio no hubo una idea de proyecto. Sucedió un hecho concreto: el hallazgo, en 2002, en el mercado de Tacora en La Victoria, de un viejo disco LP editado a finales de los años 60 por Discos Chaves. Este fue un sello discográfico propiedad de mi tío, que él dirigía en la ciudad de Pasto, al sur de Colombia. 

Ese encuentro propició un taller en el Centro Cultural de España en el que invité a los participantes a elaborar imágenes, vía collage digital, usando el formato de las portadas de discos. La idea era cruzar imágenes de archivo, del álbum familiar y del contexto para hacer que esos collages funcionaran como comentarios políticos, sociales y culturales. Lo del álbum familiar tenía mucho sentido pues, mi tío, en los discos que editaba solía recurrir a la familia, es decir a mis primos y primas, a mi madre, entre otros, para hacerlos aparecer en sus portadas.

El taller quedó en ese punto y no tuvo mayor continuidad, lo que si hice aprovechando una época muy viajera, fue empezar a comprar discos en Perú y otros lugares como Colombia, Ecuador, Venezuela, Brasil, Puerto Rico, México, República Dominicana y Nueva York con una idea más clara de empezar a construir una especie de archivo. Esas imágenes contaban muchas más cosas, de lo que a priori pudiera pensarse, sobre el contexto latinoamericano. 

El siguiente paso, en 2003, fue mostrar en una galería de arte en Bogotá una primera versión de El Toque Criollo como archivo de meras imágenes. En 2004 fui invitado por la primavera fotográfica de Barcelona a exponer ese trabajo, pero en esa ocasión el formato fue el de la charla musicalizada pues había empezado a escribir una serie de notas sobre las imágenes. Una presentación híbrida, a mitad de camino entre la charla magistral y una sesión de dj, que daría pie a más versiones en los años venideros. Esas portadas daban para contar montones de cosas y a las canciones también se les podía mucho sacar jugo. En 2006 volví a mostrar las caratulas, acompañadas de esos comentarios, en la Bienal de Sao Paulo y a raíz de eso fue que la Tate Modern se interesó y acabó adquiriendo la pieza. De todas maneras, seguí adquiriendo más vinilos y continué la labor de archivo que desde ese momento se volcó en las charlas.

Más que proyecto, fue un trabajo en proceso que se fue desplegando, creciendo y mudando de formatos entre 2003 y 2015, que fue cuando hice la última presentación musicalizada.

¿Cuáles son algunos de los misterios que se revelan sobre América Latina en estas portadas de vinilos desempolvados?

Más que misterios diría que son constataciones, una mezcla de deseos, imaginarios y reafirmaciones identitarias. También hay que decir que es un conjunto muy variado por más que haya ciertos temas y tipos de imágenes recurrentes. Las portadas muestran de manera clara su ideología, es decir muchas de ellas son machistas, misóginas, patriarcales, clasistas y están muy marcadas colonialmente.

Pero la idea no era ni mucho menos celebrar eso, sino intentar darle la vuelta, reconocer que esas imágenes, nos guste o no, dan una idea de en qué se reconocen nuestras sociedades. De ahí mi voluntad de utilizarlas como un espejo deformado para confrontar lo que todavía, a pesar de cambios positivos, en gran medida, somos social y culturalmente hablando. Claro que también hay otro tipo de imágenes. Portadas que hacen gala de un sentido del humor bizarro y descolocador que no se casa con nadie, otras son sinceras y honestas celebrando lo local y lo autóctono. Algunas son más neutras, otras son costumbristas y hasta inocentes e incluso en algunos casos utópicas. Hay discos conmemorativos como el que celebra la visita de Fidel Castro a Chile en 1971, o sendos discos de homenaje al guerrillero colombiano del M19 Carlos Pizarro, o al narcotraficante, del mismo país, Gonzalo Rodríguez Gacha.

En realidad, las portadas entre los años 60’s y 70’s son muy interesantes pues desarrollan de una manera muy orgánica y nada programática una estética digamos continental, pero que es previa y no está todavía marcada por la globalización y la implantación del modelo económico-político neoliberal.

¿Cuáles fueron los criterios de selección de las portadas expuestas?

El criterio guía que seguí desde un principio fue considerarlas como “documentos históricos” y proponer “escuchar” a esas imágenes para ver qué tenían por contar. Eso pasaba por no considerar a las portadas como elementos aislados. Era necesario agruparlas por parejas, tríos o grupos más grandes para ponerlas a chocar entre ellas. Para que de esta manera los posibles sentidos de las imágenes, al articularse entre sí, crearan lecturas más complejas del contexto latinoamericano. Forzar lo explícito para hacer posible la ambigüedad. 

En otras ocasiones el contrapunto venía de la mano de mis notas y reflexiones buscando contrastar realidades muy contemporáneas y violentas con la aparente vacuidad añeja de algunas imágenes. En las charlas ese contraste a veces era propiciado por los temas musicales escogidos para acompañar a las imágenes.

Un criterio de fondo fue intentar hablar del presente y de lo que del pasado todavía persiste, es decir conflictos y problemáticas no resueltas, a través de un tipo de imágenes con las que varias generaciones habían convivido. En las presentaciones era muy común escuchar que, quién más quien menos, se reconocía esas imágenes pues en sus casas tenían o habían tenido esos discos.

Esa lectura oblicua que se proponía permitía pensar de manera no tan obvia y previsible nuestro contexto. Violencia, deseo y desigualdades hermanadas con la frivolidad, la irreverencia y el sentido del humor. Un cóctel muy actual por otra parte.

¿Qué rol cumple la arbitrariedad en este proceso?

Un rol muy importante. No había una manera fija de crear sentido. A veces las imágenes hablan por sí solas y en otras ocasiones las combinaciones abren la puerta a nuevos relatos. En algunos casos se trataba de proponer asociaciones no muy previsibles, en otros, por el contrario, se trataba de forzar y extremar de manera insistente ciertos sesgos y patrones. Esa arbitrariedad es la que guiaba las decisiones de edición y montaje. Como para dar la sensación de que el relato surgía casi por la propia voluntad de las imágenes.

¿Qué género de música distribuía principalmente la disquera "Discos Chaves"?

Una mezcla de géneros muy locales. Bambucos, pasillos y guabinas que son géneros musicales autóctonos con mucha tradición sobre todo en el sur de Colombia y Ecuador. Pero también boleros, adaptaciones de valses peruanos, música de cantina, raspa, chucu-chucu y música tropical bailable. Pero en el Toque Criollo el porcentaje de Discos Chaves es pequeño en relación al total de portadas utilizadas.

¿Has escuchado alguno de los discos cuyas fundas están siendo expuestas?

He escuchado la mayoría. En algunas ocasiones he llegado a comprar meras portadas sin vinilo o con el vinilo equivocado.

¿Cómo funcionaba la elaboración de las portadas en “Discos Chaves”? ¿Había una persona que se encargaba del diseño en la disquera?

Mi tío se encargaba de ello, más adelante mis primos más mayores se involucraron en ello. También tenían un almacén familiar, del que se encargaba mi tía, en el que se vendían los discos y también instrumentos musicales. Y en Cali mis tías hacían lo propio en otro negocio de su propiedad. Eran el exponente de una clase popular que ascendió socialmente y que con el tiempo se convirtió en una especie de pequeña burguesía local. Todos bastante conservadores la verdad.

¿Hay alguna sensación común que te provoquen las imágenes de las portadas de los discos?

Mi tío nos enviaba cada navidad los discos por correo a Barcelona que es donde vivía mi familia. Crecí con ellos, pero como suele suceder no fue si no mucho tiempo después que me di cuenta de su importancia y valor. Toda mi vida he vivido rodeado de vinilos, y aunque en realidad siempre ha sido así, no es hasta más tarde que caes en cuenta que las imágenes también “suenan”. Y lo hacen de maneras no tan previsibles. Supongo que es el tránsito entre adorar imágenes hacia una visión más materialista la cual te lleva a considerarlas como documentos y estratos de sentido. Eso sí, sin perder el deseo y la ambigüedad por el camino.

¿Cuál es la reincidencia de los “ovnis” en los discos de música chicha peruanos de los 80’s y cómo es que esta portada se inserta en el tejido social-cultural peruano de entonces?

Quizás fue un simple guiño comercial dado el auge que en esa época tenían ciertas figuras locales ligadas a supuestos avistamientos de OVNIS. O, por el contrario, y prefiero esta hipótesis, era una manera de sentirse, de manera positiva y en clave emancipadora, como un alienígena en un contexto racista y hostil. La idea utópica de pensar que el futuro iba unido al progreso y a la superación de conflictos y desigualdades. Algo similar a lo que en los Estados Unidos se ha venido en denominar, de manera retrospectiva a veces, Afrofuturismo. El equivalente local, más reciente, y que se conoce entre nosotros como Futurismo Andino. En su momento un músico de jazz afroamericano como Sun Ra desarrolló esa idea de conexiones interestelares tanto en su música como en clave ideológica. Dudo que haya habido, en su momento, un conocimiento entre esas experiencias, pero, no importa, muchas veces -y eso ocurría bastante antes de la globalización, se reaccionaba de maneras parecidas a coyunturas complicadas y angustiantes.

¿Podrías comentarnos de la portada del disco “Fogoso Impacto” de Enrique Lynch y su conjunto?

En lo que tiene algo de pirueta argumentativa propongo entenderla como una versión -involuntaria- del 

, la pieza objetual de Marcel Duchamp. Para ello sigo la lectura que de esa obra hace el poeta e intelectual mexicano Octavio Paz y resulta que, de manera un tanto “arbitraria”, aunque quizás no tanto, empiezo a encontrar paralelos entre lo que muestra 

 y la interpretación que de Duchamp hace Paz. Lo que reafirma mi voluntad de “dejar hablar” a las imágenes y por tanto la necesidad de “escucharlas” y no tanto interpretarlas o analizarlas. Eso que con tanta insistencia se arrogan ciertas disciplinas.

¿Qué relación encuentras entre la creación de estas portadas y la práctica artística latinoamericana actual?

Quizás no son tan actuales, pero se me vienen nombres de artistas con una impronta pop y a la vez interesados por lo autóctono y que tanto leen lo global desde una óptica local, como se preguntan sobre cómo incide lo global en nuestros contextos. Pienso en los mexicanos Felipe Ehrenberg y Melquiades Herrera, o lxs colombianxs, Beatriz González o Wilson Díaz y Juan Mejía ambos más jóvenes. O el peruano William Córdova que también tiene una obra hecha con carátulas de discos. Y con otra realidad y otros íconos en mente, por ser mucho más jóvenes lxs peruanxs Jorge Miyagui o Alliepori.

Desde febrero de 2025, Raimond Chaves, artista y docente de Grabado FAD, expone “Toque Criollo” en el Museo Nacional Británico de Arte Moderno “Tate Modern”. Esta es una exposición de portadas de vinilos que Raimond ha rescatado del sello discográfico que dirigía su familia en la ciudad de Pasto (Colombia): Discos Chaves. La FAD lo entrevistó y Raimond cuenta acerca de cómo surgió este archivo, las temáticas que abordan sus portadas y la relación que tienen las piezas con su vida personal.

Orgullo FAD | Toque Criollo de Raimond Chaves

Arturo Caceda

Fabian Rodas

Micaela Esteves

Juliano Guimarães

Arquitecturas Psíquicas no propone una mirada objetiva sobre la ciudad, sino una experiencia inmersiva y sensorial que invita a reconocer la forma en que habitamos los espacios y cómo estos se graban en nuestra memoria a través del cuerpo. Es una exploración simbólica y profundamente personal sobre lo urbano, lo íntimo y lo emocional.

“La percepción que tenemos de la ciudad se construye en función a cómo el cuerpo la transite”, señala la artista. Desde esta premisa, la obra central representa un recorrido simbólico por tres territorios clave: el Centro Histórico de Lima, Villa El Salvador y el mar. Cada uno de estos espacios funciona como un nodo emocional, como un vestigio de historia personal y colectiva.

“El personaje femenino de la videoinstalación que representa a la ciudad recorre los caminos de una memoria ficcional [...] Estos sucesos marcan hitos que conforman una cartografía interior

El Centro Histórico aparece como un punto de confluencia entre el pasado histórico y sus reminiscencias a diferentes momentos arquitectónicos. Villa El Salvador, por su parte, representa la periferia como lugar de resistencia, expansión y posibilidad. Finalmente, el mar cruza los lugares antes mencionados y actúa como desenlace de este recorrido, como símbolo de lo expansivo, orgánico y fluido tanto del cuerpo como de la ciudad. Villavicencio añade, “Toda creación parte de ciertas reseñas autobiográficas que son las que permiten ahondar en ciertas grietas de la realidad. Cuando recorremos la ciudad desde una cartografía real, inevitablemente se superpone nuestra realidad emocional”.

En la muestra, el personaje atraviesa la ciudad con una piel-cartografía, marcada por símbolos, huellas y tensiones. El trabajo visual recurre tanto a planos abiertos de paisajes urbanos y naturales, como a registros cercanos del cuerpo en tránsito. “Ese traje-piel remite a la mutación constante del espacio psíquico”, señala Karla. “Hay elementos puramente orgánicos como vestigios: por ejemplo, la mata de cabello irrumpe en la composición simulando trazos que terminan siendo tensiones abstractas. Tensiones y suspensiones que finalmente vivimos de alguna forma entre la ciudad y el cuerpo”.

La artista y docente FAD Karla Villavicencio presenta “Arquitecturas Psíquicas"

, una exposición curada por Max Hernández-Calvo que invita a explorar la conexión simbólica entre el cuerpo, la arquitectura y la memoria. A través de una videoinstalación y diversos medios artísticos, Villavicencio propone un viaje introspectivo y ficcional donde los espacios urbanos se entrelazan con la historia emocional de un personaje femenino que recorre Lima como si atravesara su propia psique.

Orgullo FAD | La artista y docente de la carrera de Pintura Karla Villavicencio presenta “Arquitecturas Psíquicas"

Informe del Acta del Consejo FAD 29MAY25

Nuestros docentes FAD han creado este espacio que alberga estrategias y recursos pedagógicos que dinamizan el trabajo de los profesionales y no profesionales dedicados a la enseñanza del arte y el diseño. El objetivo es fomentar la creatividad y adaptación a las necesidades de los estudiantes, enriqueciendo  sus procesos de aprendizaje.

Esta plataforma ofrece un modelo efectivo para el desarrollo profesional y la colaboración entre docentes en la promoción de competencias genéricas en el aula.

Estrategias Docentes para Arte y Diseño

“RIKA: Dos Décadas de Diseño con Propósito” estará abierta al público desde el 29 de mayo en la Sala Winternitz, de la Facultad de Arte y Diseño de la PUCP. La muestra estará abierta hasta el 19 de junio de 2025 y es de acceso libre.

Horario: Lunes a viernes de 10 a.m. a 8 p.m. y sábados de 10 a.m. a 3 p.m.

Si eres externo a la comunidad PUCP, insríbete 

Esta exposición retrospectiva de la trayectoria de la marca RIKA, recorre los principales hitos, materiales y colaboraciones que han definido su enfoque en diseño sostenible, circular y comprometido con lo local.

Fundada en 2004 por la artista plástica Kareen Nishimura Doy y el diseñador industrial y educador Ricardo Geldres Piumatti, RIKA nació en un contexto donde aún no existía un mercado consolidado para el diseño de productos sustentables en el Perú. A lo largo de dos décadas, la marca ha desarrollado una propuesta coherente basada en estrategias circulares, la co-creación y una mirada crítica sobre el consumo y la producción.

La muestra reúne más de 80 piezas, entre mobiliario, luminarias, objetos utilitarios, objetos de decoración y accesorios de la moda, organizadas en seis secciones temáticas que dan cuenta de la evolución estética, técnica y conceptual de RIKA. Desde sus inicios experimentales con objetos reutilizados hasta sus producciones actuales, cada pieza expuesta refleja una profunda exploración del potencial del diseño como herramienta de transformación social, cultural y ambiental.

Entre los materiales destacados se encuentran la madera recuperada, el cartón corrugado, el caucho recuperado, las fibras naturales y diversos objetos y materiales de posconsumo resignificados. Cada uno ha sido abordado desde un enfoque creativo que privilegia la experimentación, la producción en pequeña escala y la autonomía en los procesos.

La muestra no solo celebra dos décadas de una marca, sino también una forma distinta de hacer diseño en el Perú, con raíces locales, visión global y compromiso con los desafíos de nuestro tiempo y constituye una invitación a repensar la relación entre diseño, sostenibilidad, comunidad y vida cotidiana.

La Facultad de Arte y Diseño de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) y la carrera de Diseño Industrial, en colaboración con la marca RIKA, organizan la exposición “Rika: dos décadas de diseño con propósito”.

Exposición RIKA: 20 años de Diseño con propósito

La exposición podrá ser visitada del 9 al 13 de junio en calle Los Laureles 365, San Isidro (sede de la SNI) de 8 a.m. a 6 p.m.

Por segundo año consecutivo, la Facultad de Arte y Diseño de la PUCP y la Sociedad Nacional de Industrias llevan a cabo el concurso “Crea Sostenible”. Este concurso busca visibilizar e invitar a la reflexión sobre la importancia de la sostenibilidad para el sector industrial desde la creatividad.

El certamen se hizo público durante el mes de marzo, y convocó a estudiantes de cuarto año en adelante y egresados de los últimos cinco años de la FAD (PUCP) a realizar una obra de arte o diseño inspirada en la temática “industria sostenible”. Por ello, para la realización de sus creaciones, los participantes hicieron uso de residuos o merma de fábrica como materiales para sus trabajos. Estudiantes y egresados recogieron insumos de metal, vidrio, tela, entre otros brindados por las empresas asociadas a la SNI, los cuales, ahora, ven una segunda vida a través de sus trabajos.

Los más de 40 participantes inscritos en el certamen tuvieron aproximadamente un mes para la realización de su creación. De ellos, 12 trabajos han sido seleccionados como finalistas, los cuales serán expuestos en los diversos espacios de la sede de la Sociedad Nacional de Industrias en San Isidro. 

Stephanie Urbano Párraga - Diseño Industrial

Mario Rodríguez Romero - Arte, Moda y Diseño Textil

Carolina Poma Acevedo - Arte, Moda y Diseño Textil

Ariana Poma Acevedo - Arte, Moda y Diseño Textil

Lizeth Reategui Guardia - Diseño Industrial

Las creaciones ganadoras serán adquiridas por la Sociedad Nacional de Industrias y formarán parte de su colección, la cual se encontrará permanentemente exhibida en su local. Para muchos estudiantes y recientes egresados, esta representa la primera oportunidad de una institución adquiriendo sus obras de arte y diseños.

Esta exposición, enmarcada en la Semana de la Industria 2025, sirve como vitrina para jóvenes artistas y diseñadores, además de invitar al público a reflexionar sobre el impacto ambiental de las acciones humanas, y a hacerle frente al cambio climático desde la creatividad. 

La exposición reúne obras de arte y diseños de los 12 finalistas del concurso gestionado por la Sociedad Nacional de Industrias y la Facultad de Arte y Diseño, hechas por estudiantes y egresados de esta casa de estudios.

Crea Sostenible 2025

Informe del Acta del Consejo FAD 29ABR25

Informe del Acta del Consejo FAD 20MAR25

Informe del Acta del Consejo FAD20FEB25

Conoce más sobre la reacreditación de Escultura en la cuenta de Instagram 

En el año 2018, la carrera de Escultura logró su primera acreditación internacional ante la IAC-CINDA por tres años, certificación que renovó en 2022 por un periodo de cinco años. Con miras a lograr una nueva reacreditación hacia el año 2026, la Escultura se prepara con una autoevaluación que le permite conocer sus fortalezas y puntos de mejora de cara al organismo internacional, con el fin de potenciarlos previo a la evaluación oficial.

El modelo de evaluación del IAC-CINDA establece estándares de calidad en gestión académica, formación integral, recursos institucionales, cumplimiento del perfil de egreso y otros rubros pertinentes según las particularidades de la especialidad. Tanto la Facultad de Arte y Diseño como la carrera de Escultura se ven beneficiadas del análisis y el diseño de las propuestas para potenciar estos aspectos. 

Ursula Cogorno, Directora de la especialidad de Escultura, comenta que este compromiso trasciende la historia reciente de la carrera y remarca la importancia del enfoque participativo de la reacreditación. “

A lo largo de casi una década, desde 2015, hemos consolidado una cultura de autoevaluación que nos permite tomar decisiones informadas y estratégicas. A partir del análisis de información relevante sobre la carrera, hemos establecido planes de mejora continua que recogen las voces de estudiantes, egresados, docentes y empleadores, y que son retroalimentados por expertos internacionales.”

La reacreditación conlleva identificar las fortalezas y oportunidades de mejora, a través del recojo sistemático de las opiniones de estudiantes, egresados/as, docentes, autoridades y aliados sobre el funcionamiento del programa. Se podrá realizar un monitoreo del bienestar y el desarrollo de la comunidad académica de Escultura y buscar mejoras a partir de consensos generados entre los distintos actores que la conforman. 

Verónica Crousse, docente de la especialidad, recalca la importancia de la acreditación y la reacreditación para una gestión académica que busca una mejora constante. Comenta que 

“han instalado en la carrera una cultura de autoevaluación continua y diseño de un plan de acción. Esto hace que la comunidad de Escultura sea dinámica y que esté permanentemente trabajando en el logro de objetivos trazados para seguir creciendo hacia una oferta formativa de calidad.”

La docente de Escultura, Marta Cisneros, ha sido partícipe e impulsora de más de un proceso de acreditación de la carrera. Desde su experiencia, comenta las acciones en concreto que se realizaron como resultado de las certificaciones anteriores. Entre ellas, se encuentra 

“el cambio de plan de estudios, un perfil de egreso actualizado, mejoras en la infraestructura, y la incorporación de cursos y concentraciones que apuntan a ofrecer rutas de desarrollo profesional relevantes en el contexto cultural y laboral para los estudiantes.”

Tras culminar este proceso, Escultura contará con un programa diseñado para implementar ajustes en distintas áreas de la especialidad. Este también tiene un impacto a nivel Facultad, pues sirve como referente de gestión académica desde el arte, y permite sistematizar dinámicas y acciones que se encontraban insertadas en la dinámica de trabajo cotidiano de la Facultad de forma espontánea. Pilar Kukurelo, Decana de la Facultad de Arte y Diseño, afirma que 

“la acreditación y reacreditación aportan un valor estratégico a la unidad en tanto se convierten en una verdadera herramienta de gestión que brinda insumos para la planificación y la toma de decisiones informada en los procesos de mejora continua.”

Este es un proceso de duración prolongada que implica una colaboración conjunta entre estudiantes, docentes, egresados y administrativos. Por ello, la especialidad de Escultura invita a su comunidad a involucrarse en las distintas etapas de la reacreditación. 

La especialidad de Escultura se encuentra atravesando un proceso de reacreditación internacional ante el Instituto Internacional para el Aseguramiento de la Calidad (IAC-CINDA). 

¡Escultura busca su reacreditación!

Horario: Lunes a viernes de 10 a.m. a 8 p.m. y sábados de 10 a.m. a 3 p.m. 

 / Sala Winternitz, Facultad de Arte y Diseño PUCP

: Vics Crisóstomo, Fernanda Gastañaduy, Denis Huamán, Nils Huasaca, Alberto Lazo, Alejandro Medina, Elizabeth Pastor, Grecia Periche, Emily Polo, Alexandra Rodríguez, Juan Diego Segura, Marysol Vega, Daniel Virú, Juan Ylizarbe.

La muestra revisa la obra de Héctor Velarde (1898-1989), arquitecto peruano con obra destacada durante la primera mitad del siglo XX, que ejerció como proyectista, escritor, investigador, dibujante y docente. Se abordan tres obras de las décadas de 1930 y 1940: el Casino Náutico de Ancón, los Baños de Miraflores y el Club Regatas Chorrillos, las tres proyectadas para ubicarse en el litoral limeño. 

La exposición está conformada por videos documentales, maquetas a escala y láminas infográficas, material producido por un equipo de 14 estudiantes de Arquitectura PUCP, bajo la dirección del profesor Víctor Mejía en el curso Taller de Investigación. Se exhiben además documentos y planos originales de Héctor Velarde, elaborados entre 1935 y 1942, y preservados en el Archivo de Arquitectura PUCP. 

 busca analizar las numerosas conexiones entre el arte y arquitectura, también revisitar la obra de Velarde, así como mostrar y promover el trabajo de investigación a nivel de pregrado en la PUCP, producción a veces poco conocida, pero importante por su carácter iniciático y formativo.

La muestra “Héctor Velarde. Mirar el mar” es un proyecto expositivo seleccionado de la convocatoria de la Sala Winternitz de la Facultad de Arte y Diseño para la temporada 2024-2025.

Exposición Héctor Velarde Mirar el mar

Saúl Vásquez

Sobre sus reconocimientos por sus proyectos, finaliza: “Me siento inmensamente feliz y agradecida. Que mi trabajo haya sido reconocido, tanto a nivel nacional como internacional, me llena de emoción y me da mucha visibilidad. Pero sobre todo, me alegra por el equipo con el que trabajo”.

Tras el éxito de Incas: una gran historia, la editorial Pichoncito, en colaboración con el MALI, le propuso trabajar una especie de precuela. Así nació “Culturas milenarias del Perú”, un libro que, como comenta Melissa, busca “dar visibilidad a la riqueza y diversidad de culturas que florecieron en el territorio peruano mucho antes de los incas”.

El proceso de creación fue colaborativo y tomó cerca de un año. Desde la estructura narrativa hasta el trabajo visual, cada parte del libro fue construida desde el diálogo y la reflexión. 

“Mi rol dentro del equipo es pensar cómo comunicar visualmente lo que queremos contar en cada escena: ritmo, atmósfera, color. Que cada lámina funcione como una pequeña ventana a otra época, pero también como una experiencia emocional”

Además de este proyecto, Melissa creó “La Mascota”, obra con la que ha sido seleccionada para participar en la prestigiosa exhibición de ilustradores de la Feria de Bolonia 2025. Nació durante la pandemia y tiene raíces profundamente personales. “Estaba atravesando una etapa muy oscura y desafiante, y en medio de ese caos apareció una gata callejera. (...) Su compañía me dio consuelo, estructura y una nueva forma de ver las cosas, justo cuando más lo necesitaba”.

La obra narra el encuentro entre una gata y una pequeña criatura que padece una condición llamada 

, una metáfora visual y emocional de sus vivencias. Melissa, a través de esta obra, busca homenajear ese amor silencioso y paciente que, sin pedir nada a cambio, nos acompaña y a veces es justo lo que necesitamos para salir de nuestra propia

A través de manchas de acuarela y juegos de proporciones, el relato cobra vida con una sensibilidad única. La transformación visual entre los personajes refleja el crecimiento emocional que atraviesan juntos. “Quería que toda la serie se sintiera sobrecogedora, como esos días en los que todo te abruma”.

Para Melissa, su formación en Diseño Gráfico en la PUCP ha sido clave en el desarrollo de su camino como ilustradora. 

“La investigación, la composición visual y, sobre todo, la perseverancia, son pilares que aplico en cada nuevo proyecto. Todo ese bagaje académico me dio herramientas sólidas para pensar, construir y comunicar visualmente con intención y sensibilidad”

Foto: Javier Zapata

Melissa Siles, ilustradora y diseñadora gráfica egresada de nuestra Facultad, ha sido recientemente reconocida con dos importantes premios por su trabajo: el 

Premio Luces 2025 por “Culturas milenarias del Perú” y su selección en la exhibición de ilustradores de la Feria del Libro Infantil de Bolonia 2025 por “La Mascota”

Orgullo FAD | Melissa Siles

Próximamente, se brindará mayor información acerca de cómo participar de los espacios y proyectos que forman parte de esta alianza. Los cuales benefician tanto a la comunidad de Arte y Diseño PUCP como a la comunidad estudiantil del Markham College.

El Rector de la PUCP, el Dr. Julio del Valle, y el Director del Markham, Marco Elías Bassino Pinasco, firmaron un convenio que acerca a ambas instituciones educativas desde el campo del arte, el diseño y la creación. Con la presencia de la Decana de la Facultad de Arte y Diseño PUCP, Pilar Kukurelo, la ceremonia de esta alianza a nivel institucional representa un acercamiento de la FAD y el Departamento de Arte del Markham representado por su docente Zoe Coughlan.

Este convenio permitirá a estudiantes de la FAD complementar su educación a través de experiencias formativas en el Markham como proyectos de voluntariado incluidos en sus planes de estudio. Esto acercará a los estudiantes a diversos contextos, donde podrán poner en práctica lo aprendido en las aulas y los talleres. 

Así mismo, la FAD contará con una presencia constante en las actividades de orientación vocacional del Markham College. Donde podrá exponer acerca de los programas educativos de sus carreras y los espacios que ofrece a sus estudiantes.

El Markham College también contará con presencia de la FAD a nivel académico a través del curso de Arte de esta institución educativa, donde docentes de la Facultad de Arte y Diseño se verán involucrados en la construcción de su sílabo y serán responsables del 20% de la calificación de los proyectos finales de esta materia. De igual manera, docentes FAD tendrán la posibilidad de dictar una charla al año en coordinación con el Departamento de Arte del colegio.

Los estudiantes del Markham podrán asistir a una visita al año en el campus y otros espacios donde la FAD realice talleres, exposiciones entre otras actividades culturales. Su participación les permitirá ser parte de experiencias vivenciales de las disciplinas de arte y diseño desarrolladas por la PUCP.

La PUCP, a través de la Facultad de Arte y Diseño, y el Markham College han firmado un convenio que brinda oportunidades académicas, y de creación a los estudiantes y docentes de ambas instituciones.

La PUCP y el Markham College se unen a través del arte y el diseño

El talento y dedicación de Fátima han sido reconocidos en diversas competencias internacionales. 

Golden Pinwheel Young Illustrators Competition

. Su trayectoria incluye reconocimientos en el 

14 Iberoamérica Ilustración Competition

 en México y la identidad visual del 60 aniversario de la 

Actualmente, la artista sigue explorando nuevas historias y preparando el lanzamiento de dos nuevos libros para finales de este año: 

"Estoy muy feliz de seguir trabajando en nuevos proyectos. Finalmente, puedo dedicarme a tiempo completo a una actividad que me apasiona".

Desde el inicio, la autora tuvo claro que quería desarrollar una historia que evocara una conexión familiar y, al mismo tiempo, fuera una experiencia visual rica en formas, colores y detalles.

 "Admiro mucho el trabajo de editoriales que le dan la importancia y dedicación a cada detalle de un libro, yo quería lo mismo para mi proyecto", comenta la ilustradora, quien trabajó cada elemento junto con la editorial 

El amor por los animales ha sido una fuente constante de inspiración en su trabajo. "Tuve una perrita durante 16 años y fue la mejor compañía que pude tener. Ahora, vivo con una gata, y es una inspiración y aprendizaje constante", comparte. La observación de la naturaleza y el dibujo en bitácoras se convirtieron en herramientas fundamentales para el desarrollo de 

Para dar forma a este libro, la autora realizó un proceso exhaustivo de documentación, que incluyó visitas a museos, zoológicos y la visualización de documentales. En paralelo, trabajó su texto con la retroalimentación de profesores y compañeros. En cuanto a las técnicas, experimentó con la punta seca, monotipia, serigrafía, acuarelas, tintas, lápices y tizas pasteles. Gracias a estas exploraciones técnicas, logró reunir una amplia variedad de pruebas que le permitieron definir con mayor claridad los materiales más adecuados para sus ilustraciones finales.

Su paso por la PUCP fue clave en su camino como ilustradora, especialmente en su especialización en libros álbum. "Mi formación en Diseño Gráfico ha sido fundamental para entender y crear libros infantiles. Hay muchos elementos que conforman el libro álbum, como las guardas, tipografías, portada, etc., que son diseñados para que dialoguen con las ilustraciones y textos", señala.

Para quienes buscan desarrollarse en el ámbito de la ilustración infantil, su principal consejo es mantener la curiosidad: 

"Lo que más me ha servido para entender mejor este camino ha sido nutrirme de otras disciplinas como la danza, la música y el teatro"

. También resalta la importancia del juego y el descanso, ya que son las actividades que realiza fuera de su espacio de trabajo las que la motivan e inspiran a regresar a su escritorio y continuar dibujando. Para Ordinola, mantener viva la curiosidad y la capacidad de asombro frente al mundo que la rodea es esencial para seguir disfrutándolo.

Fátima Ordinola, ilustradora y egresada de Diseño Gráfico PUCP, publicó 

: su primer libro álbum, que explora los lazos familiares a través de la mirada de distintos animales.

 Este proyecto nació durante sus estudios en la Maestría de Ilustración para Libros Infantiles en la Cambridge School of Art, Anglia Ruskin University.

Orgullo FAD | Our Love de Fátima Ordinola

Jorge Montano

Horario: De lunes a viernes de 10 a.m. a 8 p.m. y sábados de 10 a.m. a 3:00 p.m.

Lugar: Galería Adolfo Winternitz, Pabellón Y de la Facultad de Arte y Diseño PUCP

El público externo a la comunidad PUCP, puede inscribirse en el siguiente 

La muestra exhibe libros tridimensionales de la  colección personal de Selene Tinco y de las colecciones de sus invitados:  David Tapia, Isabelle Torrubia,  Revista de literatura infantil y juvenil Crayolas y Papel, Editorial Sexto Piso, Ediciones Tralarí, Fondo de Cultura Económica Perú y la Sala de lectura Vallecito. Esta destaca la variedad de expresión e interacción que los libros ofrecen, gracias a recursos  como pegatinas o adhesivos, solapas, lengüetas interactivas o elementos pop-up  para  figuras tridimensionales en papel, entre otros.

” es una muestra que ejemplifica la diversidad de opciones de construcción e interacción propias del libro tridimensional. El lector emprende un viaje exploratorio que incrementa la legibilidad del libro, pese a su complejidad física. Su navegación por la multiplicidad de elementos promueve la creación de asociaciones,  re-vitalizando la lectura. El cuerpo expandido del libro tridimensional provoca aventurarse al descubrimiento a través de espacios de sentido y forma. 

Esta muestra también es una gran oportunidad  para conocer este mundo de creadores literarios, comenzando con  Robert Sabuda, David A. Carter, Philippe UG, Květa Pacovská,  Eric Carle, entre otros. Sin olvidar destacar el rol de los editores y gestores que llevan a cabo esta exhibición como la organizadora de la muestra, Selene Tinco, cuya colección y visión de la cultura editorial son ejemplos de la pasión por el libro y por esta  aventura del conocimiento que abre espacio a  la imaginación y transforma a quien ingresa en su mundo.

(Adaptación del escrito de Mihaela Radulescu de Barrio de Mendoza, 2016)

En la cultura actual, el libro ha desarrollado nuevas posibilidades de expandir su propuesta de generar mundos para sus lectores, particularmente, para el público infantil y adolescente. Ha enfocado la tridimensionalidad como una herramienta moderna, relacionada con el arte, el diseño, la arquitectura, el cine y la ciencia. El libro tridimensional propone la interacción de lenguajes diferentes: verbales, icónicos, plásticos, espaciales y ópticos con vínculos dialógicos interactivos, donde el lector experimenta con la misma generación de la información, a través de acciones físicas que forman parte de la construcción conceptual y emocional del libro. 

Exposición "En el mundo de los libros"

Alessia León

Estrellita Peña

Los Premios Luces se designan mediante voto electrónico, a través de la siguiente 

. Todas las personas pueden votar por el nominado/a de su preferencia hasta los primeros días del mes de abril.

Cada año, el diario El Comercio realiza los Premios Luces, donde nomina a los proyectos culturales, y a las performances colectivas y/o individuales que destacaron en el circuito peruano. Entre los rubros que considera, se encuentra el teatro, las artes plásticas, las artes escénicas, y las producciones audiovisuales y literarias.

En esta edición, egresados y egresadas de la FAD han sido nominados/as a este galardón gracias a su producción creativa y trabajo curatorial en exposiciones de arte en las siguientes categorías:

 de Harry Chávez (egresado FAD), Olinda Silvano, Soi Noma

El buen lugar. Pinturas y dibujos 2017-2024 

 de Arturo Corcuera e ilustraciones de Rosamar Corcuera

Artistas y diseñadores/as de la FAD se encuentran nominados/as a los Premios Luces del diario El Comercio por su producción creativa y trabajo curatorial.

¡Vota por artistas y diseñadores FAD en Premios Luces!

Cesar Navarro

El curso ofrece a los estudiantes exploraciones en torno a las técnicas y prácticas constructivas en adobe orientadas al quehacer escultórico. A través de un enfoque teórico y práctico los estudiantes aprenderán sobre las propiedades del adobe, sus técnicas de preparación y métodos constructivos, su uso en el contexto histórico local, así como su aplicación en la producción de piezas escultóricas de enfoque sostenible con el medio ambiente.

Horario: Martes de 2 p.m. a 5 p.m. y jueves de 3 p.m. a 6 p.m.

Seminario de tema libre 24: Taller de procesos escultóricos en Adobe

Este curso es de carácter teórico-práctico y permite que las y los estudiantes diseñen proyectos interdisciplinarios en relación a contextos específicos. Asimismo, reflexionan y analizan el ámbito sociocultural, económico, ambiental del entorno de la ciudad aplicando recursos metodológicos para el desarrollo de proyectos. Es un curso de Responsabilidad Social Universitaria que contribuye al desarrollo de la competencia genérica de ética y ciudadanía, donde las y los estudiantes se vinculan con una comunidad, grupos u organización específica para elaborar su propuesta colaborativa y consensuada.

Proyectos interdisciplinarios de la ciudad y el territorio

El Curso Investigación Creación en Iconografía del antiguo Perú es un curso teórico práctico que aborda la enseñanza aprendizaje de la iconografía precolombina orientada a la producción de cultura visual contemporánea. Los estudiantes investigarán y aplicarán de manera práctica la iconografía precolombina como lenguaje visual y simbólico, para producir, reflexionar, discutir, conocer y visibilizar este campo desde las prácticas artísticas. Se propone una pedagogía iconográfica en la que el estudiante, a partir de la investigación visual y teórica, desarrollará un proyecto creativo que resuelva un problema identificado o desarrolle un tema iconográfico puntual. Se desarrollan las competencias genéricas de Investigación – creación, Aprendizaje autónomo y adaptabilidad; y específicas de Innovación en diseño, Comunicación Visual y Pensamiento Crítico.

Investigación Creación en Iconografía del Antiguo Perú

El curso orienta la construcción de conocimientos en el campo de la investigación temática, para su incorporación en el desarrollo de proyectos de diseño. Con este fin, establece bases y parámetros para las estrategias de búsqueda, selección, comprensión y procesamiento de la información temática, en función de objetivos específicos de creación, producción y comunicación.

Seminario de Investigación Temática

Curso taller que introduce al estudiante a procesos de diseño y confección de piezas de joyería en metal. En este curso se analizará el mercado de la joyería, los procesos de diseño orientados a este sector, la teoría de la metalurgia y conformación de los metales además de las diversas técnicas de joyería básica para generar piezas en el banco de joyero con confección manual. La experiencia del curso está guiada a través de la generación de conceptos de diseño propuestos desde la teoría para ser desarrollados con las posibilidades técnicas que brinda el taller con proyectos ejecutados de manera personal y/o grupal.

Introducción al Diseño de Joyería

Curso taller que aporta al desarrollo de las competencias creación y producción y aprendizaje autónomo y adaptabilidad. Este curso se propone como un espacio de creación y experimentación basado en técnicas y procesos tradicionales de la escultura en bloque. Los estudiantes explorarán y desarrollarán un proceso artístico basado en el uso de diversos materiales y métodos constructivos. El curso incluye capacitaciones prácticas, contenidos teóricos y asesorías personalizadas para promover el desarrollo de proyectos artísticos. Al finalizar, los estudiantes habrán desarrollado habilidades prácticas y teóricas, lo que les permitirá llevar a cabo proyectos artísticos de manera autónoma.

Docente: Franco Galliani y Francisco Revoredo

Técnicas Escultura en Bloque

El tiempo es uno de los grandes temas en la historia del arte del siglo XX y en lo que va del nuestro. Las innovaciones técnicas en el campo de los transportes y las comunicaciones desde finales del XIX alteraron profundamente no solo el modo en que nos representamos el tiempo, sino el sensorium a través del cual experimentamos el mundo temporalmente y le damos sentido. En el campo de la filosofía, estas transformaciones han provocado una proliferación de reflexiones en torno al estatus del tiempo como una categoría histórica que conviene abordar atendiendo a los dispositivos técnicos que lo constituyen y modelan nuestra experiencia cultural, antes que como una mera “forma a priori de la sensibilidad”, como planteara Kant en su primera Critica.

STL 19 Tecnologías del tiempo: desde las vanguardias históricas a nuestros días

Nowadays, the new visual grammars use sceneries for creation that exceeds the institutional frontiers of tradition and question the condition of the artwork as an object. Performance, installation, videoart, art and technology, and interventions in the public space are just some of the examples to consider in the complex net of today’s art. The analysis, critique and reflection on contemporary art will take into account the place of art in the scenery of globalization, commercialization, and the economic, political and social structures of our present society.

Contemporary Art seminar

El curso es de carácter teórico-práctico. Las/os estudiantes conocen y ponen en práctica las metodologías, los procesos de tematización y problematización de investigaciones de maestras/os, doctorantes o doctores. Así, a través de problemas de estudio y marcos teóricos específicos, se inducirá la práctica colectiva y colaborativa como el pensamiento visual crítico, entre otras competencias de las prácticas contemporáneas de las artes visuales. La naturaleza temática y episódica del laboratorio permitirá ofrecer un panorama diverso, cambiante y contemporáneo de las prácticas investigativas artísticas, incentivando la conformación eventual de grupos, colectivos, publicaciones y proyectos artísticos que puedan tener continuidad en los niveles de posgrado.

Laboratorio interdisciplinario de investigación producción en artes visuales 1

Curso electivo para el desarrollo de aprendizajes integrales y/o transversales relacionados al arte y el diseño. Los programas, enfoques y docentes a cargo varían de acuerdo a la oferta semestral de cursos electivos en la Facultad de Arte y Diseño.

Seminario de tema libre 17: Modelado y arte conceptual 3D

El curso es de carácter teórico. Busca promover la reflexión de tres ramas de estudios críticos y culturales alrededor de las nociones de identidad: estudios post y decoloniales, estudios feministas y de género, y estudios queer. Al inicio del curso, se analiza brevemente la historia de la teoría crítica como herramienta de análisis para luego revisar los debates contemporáneos en torno a lo identitario bajo un lente crítico en la cultura y el arte. La selección de autores/as navega los 3 ejes temáticos presentados desde el activismo, la academia, las artes y otros campos. Así, se busca promover la revisión, análisis y crítica usando textos seleccionados que serán compartidos en clase para generar discusiones abiertas y grupales sobre cada temática. Se contará con apoyo de fuentes audiovisuales para el desarrollo de un corto ensayo visual/experimental crítico en torno a alguna producción estético-cultural seleccionada por cada estudiante.

Teoría crítica e identidades en el arte

El curso es de carácter teórico-práctico. Las/os estudiantes comprenden los fundamentos de la dirección de arte en el arte secuencial narrativo a través del manejo de herramientas digitales y el análisis de textualidades propuestas, así como aplicaciones de Inteligencias artificiales específicas. Para ello, identifican y analizan los elementos clave que componen la dirección de arte en diferentes géneros y estilos del arte secuencial. A través de un enfoque académico riguroso y dinámico, se combinarán sesiones teóricas y de asesoría con talleres prácticos, guiando a los estudiantes en el desarrollo de sus habilidades y conocimientos para crear obras de arte secuencial. Finalmente, las/os estudiantes aplican las herramientas necesarias para la creación de una pieza completa de arte secuencial narrativo, aplicando los principios y técnicas aprendidos en un portafolio de Dirección de Arte (Pitch).

Narrativa visual digital

Docentes: Ana Lía Orézzoli y Rosario Yori

Seminario de tema libre 13: Intersecciones del texto y la imagen: mirar y escribir como puntos de partida y de llegada en los procesos creativos

Es un curso taller que aporta principalmente a la competencia de creación y producción gráfica. Profundiza en el estudio y práctica de los sistemas de grabado e impresión de hueco: calcografía. El curso comprende el desarrollo de proyectos artísticos por medio de la experimentación, de la destreza técnica y de los fundamentos visuales. A partir del conocimiento básico de la historia de la calcografía, el lenguaje visual del grabado de hueco y sus posibilidades en el proceso de creación de la obra gráfica, se hace énfasis en la práctica de los procesos directos e indirectos de elaboración de matrices en metal, entintado, impresión y edición de imágenes.