Ingreso libre, evento dirigido a la comunidad PUCP.

"Quwi: Sistema piloto doméstico tecnificado para la crianza de cuyes mediante jaulas verticales que aumentan la productividad de las familias rurales de Chillaco" para optar por el título de licenciada en Diseño Industrial.

Tesis | Quwi: Sistema piloto doméstico tecnificado para la crianza de cuyes mediante jaulas verticales que aumentan la productividad de las familias rurales de Chillaco

Brenda Salazar

 VANESSA JULCA

Informe del Acta del Consejo FAD16ABR26

Informe del Acta del Consejo FAD19MAR26

Jesus Gallegos

Informe del Acta del Consejo FAD19FEB26

Romina Guevara

QUISPE MENDOZA, LINDA PATRICIA Winternitz 2026

CABALLERO MATOS, VALESKA SOFIA

ARCE PADILLA, MARIA LUNA URPI Winternitz 2026

CESPEDES RODRIGUEZ MARIA ELISABET Winternitz 2026

VELASQUEZ GARCIA, EDUARDO Winternitz 2026

VILLANUEVA COLINA, DANIELA PATRICIA

RUIZ BURGOS, ALEJANDRA CRISTINA

BAIGORRIA LERTORA, CATALINA Winternitz 2026

PEÑA GARRIAZO, KAREN VIRIDIANA

CHUMBES BOJORQUEZ, LEONARDO ALBERTO

SARMIENTO PIZAN, SANDRA CRISTINA

EGOAVIL LIÑAN, KATHERINE

MORAN  CHIEMI Winternitz 2026

SATO MARCIA Winternitz 2026

MEJIA SOFIA Winternitz 2026

DIAZ ARIANNE Winternitz 2026

GOMEZ GABRIELA Winternitz 2026

YUPARI ARIANA Winternitz 2026

SUAREZ ILLARI Winternitz 2026

ROCHA VALERIA Winternitz 2026

FLORES LUCERO Winternitz 2026

ORTEGA LANDERAS, RAFAELA 2026

FERNANDEZ GOMEZ, MARÍA JOSÉ

 Aprobar los 02 cursos obligatorios y complementar con al menos 02 cursos electivos.

Aprende a crear, gestionar y conectar proyectos culturales con la sociedad. Esta concentración te prepara para diseñar, producir y mediar iniciativas artísticas viables, desde su concepción hasta su difusión, en espacios institucionales, independientes o comunitarios.

Desarrollarás habilidades prácticas en planificación, financiamiento, gestión y mediación cultural. Aprenderás a tender puentes entre el arte y diversos públicos a través de talleres, programas educativos y plataformas digitales.

Podrás trabajar en contextos convencionales —como galerías o museos—, así como en proyectos autogestionados, comunitarios o independientes, generando iniciativas tangibles con impacto social.

Concentración Mediación en Gestión y Mediación artística

Explora los fundamentos técnicos de la pintura partiendo de los referentes de la pintura de caballete. A través del estudio de los materiales, los procesos y los lenguajes propios de esta disciplina, adquirirás un conocimiento técnico sólido que enriquecerá cualquier práctica visual contemporánea.

Aprenderás a utilizar el color no solo como una propiedad física, sino como una poderosa herramienta conceptual y técnica. Este dominio tendrá un impacto directo en la forma en que apliques estos conocimientos en diversos campos como la creación artística, el diseño, la ilustración y la dirección de arte.

Esta es tu oportunidad para complementar tu formación profesional con una experiencia formativa única, que concibe el proceso pictórico como una práctica sensible y reflexiva con una mirada crítica y una profundidad conceptual enriqueciendo tu perfil creativo.

Concentración Técnicas pictóricas

Pabellón Y (Facultad de Arte y Diseño - PUCP)

En esta edición, el evento contará con 30 ponentes locales e internacionales que pertenecen a 7 escuelas y facultades del Perú y Latinoamérica, procedentes de países como México, Chile, Colombia y Ecuador. Así mismo, visitará el campus una ponente magistral, quien compartirá una de sus investigaciones, su portafolio como artista y brindará un taller a la comunidad FAD.

, un espacio académico donde docentes, recientes egresados y estudiantes de último año de escuelas y facultades de Latinoamérica comparten sus últimas investigaciones y creaciones.

7Lab

La 87 Expo Anual se encuentra en los pabellones I e Y del campus de la PUCP, y estará disponible hasta el sábado 7 de febrero en los siguientes horarios:Horario de enero:

Lunes a viernes de 10 a.m. a 8 p.m. y sábados de 10 a.m. a 3 p.m.

Lunes a viernes de 10 a.m. a 6 p.m. y sábados de 10 a.m. a 3 p.m.

El ingreso es libre previa inscripción: 

Esta experiencia es una oportunidad para todas las personas interesadas en explorar los más recientes enfoques y propuestas que se desarrollan en el mundo del arte y el diseño a nivel local.

Esta muestra reúne más de mil trabajos de las carreras de Pintura; Escultura; Grabado; Arte, Moda y Diseño Textil; Diseño Gráfico; Diseño Industrial; Educación Artística, y los ejercicios de Formación General, realizados por los estudiantes que se encuentran en la etapa inicial de sus estudios. Para muchos de ellos, esta es su primera experiencia expositiva y la primera vez que sus creaciones tienen el potencial de ser apreciadas por el público general fuera del espacio pedagógico. La exhibición también permite que los visitantes conozcan de cerca el resultado del trabajo que realizan juntos docentes y estudiantes a lo largo del año, a través de los distintos cursos prácticos que brinda la Facultad.

La particularidad de esta muestra es que no sucede necesariamente en una galería de arte o un local similar, sino que se lleva a cabo en los dos pabellones que conforman los espacios educativos y áreas comunes de la FAD. En ellos, cada estudiante se apropia del lugar, convirtiendo los talleres, los salones de clase y los patios en áreas expositivas. El ingreso a cada ambiente es un viaje a través del universo de cada carrera y una demostración del proceso de cada estudiante a lo largo de las distintas etapas formativas que atraviesa en su paso por la FAD.

La Expo Anual es una tradición que data desde la fundación de la Facultad de Arte y Diseño de la PUCP (FAD), la cual busca mostrar los procesos, las investigaciones y las creaciones de los estudiantes de esta institución educativa realizados durante el pasado año de estudios. Esta es su 87° edición y representa el legado de formación creativa que comenzó como iniciativa de su fundador: el artista y docente Adolfo Winternitz.

87 Exposición anual

87 Expo ANual de Arte y Diseño

Informe del Acta del Consejo FAD 20/11/2025

Informe del Acta del Consejo FAD 30/10/2025

Informe del Acta del Consejo FAD 25/09/2025

Fechas:  Del martes 4 de noviembre al jueves 22 de noviembre

Horario: Lunes a viernes de 10:00 a.m. a 8:00 p.m. / Sábados de 10:00 a.m. a 3:00 p.m.

Lugar: Galería Adolfo Winternitz, Pabellón Y de la Facultad de Arte y Diseño PUCP

La muestra se desarrolla a partir de procesos de experimentación material que exploran cómo el textil puede convertirse en una práctica sensible de relación entre cuerpo, entorno y paisaje. Desde esta aproximación, el hacer textil trasciende lo técnico para convertirse en una experiencia perceptiva que invita a reflexionar sobre la forma de habitar el territorio.

Para la creación de las obras, se han empleado elementos recolectados en playas de la costa norte del Perú, entre ellos recursos naturales encontrados en la orilla y residuos sintéticos descartados por pescadores artesanales. A través de procesos de exploración y prueba, estos materiales se transforman en superficies, volúmenes e indumentarias que revelan la posibilidad de restablecer la conexión entre cuerpo, materia y paisaje.

, el textil se presenta como una extensión del cuerpo y del entorno: una segunda piel que permite sentir y vestir lo que rodea al ser humano, generando una experiencia de unión y pertenencia desde lo sensible.

, una exposición inmersiva de la artista y diseñadora 

 que propone reconectar al ser humano con el mar y el territorio costero a través del textil, entendiendo la materia como un medio para vincularnos, regenerar y habitar de manera consciente.

SER/ MAR

Conoce más sobre la acreditación de Arte, Moda y Diseño Textil en la cuenta de Instagram

 o envía un mensaje al correo artemodaydisenotextil@pucp.edu.pe.

La carrera de Arte, Moda y Diseño Textil se encuentra en su primer proceso de acreditación internacional. Las autoridades de la carrera, en colaboración con la Oficina de Acreditación y Mejora Continua de la PUCP, buscan esta certificación que sirve como aval de su calidad educativa, la eficiencia en sus procesos y el impacto de la misma en su comunidad.

Este proceso se realiza bajo el modelo de evaluación del IAC-CINDA, que establece estándares de calidad en gestión académica, formación integral, recursos institucionales, cumplimiento del perfil de egreso y otros rubros pertinentes según las características propias de la especialidad. Tanto la Facultad de Arte y Diseño como la carrera de Arte, Moda y Diseño Textil

 se ven beneficiadas de las propuestas resultantes del proceso que sirven para potenciar estos aspectos. 

El proceso de acreditación permite identificar las fortalezas y oportunidades de mejora de AMDT, a través de las opiniones y perspectivas de estudiantes, egresados/as, docentes, autoridades y aliados sobre su funcionamiento y servicios.

Tras culminar este proceso, Arte, Moda y Diseño Textil contará con un programa diseñado para implementar mejoras en distintas áreas de la especialidad. Este documento también servirá como referente de gestión académica para las carreras de diseño que alberga la Facultad.

Este es un proceso que conlleva un esfuerzo conjunto entre estudiantes, docentes, egresados y administrativos por numerosos meses. Por ello, Arte, Moda y Diseño Textil invita a su comunidad a involucrarse 

 en las distintas etapas de la acreditación. 

La carrera de Arte, Moda y Diseño Textil ha iniciado su proceso de acreditación internacional ante el Instituto Internacional para el Aseguramiento de la Calidad (IAC-CINDA). 

Arte, Moda y Diseño Textil inicia el camino hacia su acreditación internacional

Visita la exposición de lunes a viernes de 10 a.m. a 8 p.m. y sábados de 10 a.m. a 3 p.m.

Del 13 de octubre al 25 de octubre de 2025

Continuando con el legado de las ideas pedagógicas de Elena Izcue, quien posicionó el arte como herramienta de aprendizaje, el Tomo III es una iniciativa editorial y expositiva que busca dar una mirada hacia las imágenes del pasado como un modo activo de intervenir en el presente. Los y las artistas que conforman esta muestra han trabajado a partir de representaciones de diversas culturas y épocas del Perú, generando dibujos que dialogan con iconográficas arqueológicas, reimaginándolas o transformándolas desde referencias contemporáneas. El fanzine y la exposición invitan al usuario a intervenir sus páginas y dejarse guiar por las cuadrículas como superficies abiertas al trazo, la emoción y la interpretación. 

Aileen Gavonel, Ana Teresa Barboza, Benjamín Cieza, Bruna Denegri, Claudia Coca, Cordelia Sánchez, Elena Izcue, Elena Tejada-Herrera, Eliana Otta, Emperatriz, Fernando Nureña, Flavia Gandolfo, Fortuna Oficina Latinoamericana de Dibujo, Gianine Tabja, Gilda Mantilla, Ivet Salazar, Jimena Kato, John Huamani, Josué Sánchez, Juan Pablo Murrugarra, Mali Salazar, María Abaddon, María Luy, Marisabel Arias, Natalia Iguíñiz, Nereyda Apaza, Paulo Dam, Ralph Bauer, Sandra Gamarra, Venuca Evanán y Víctor Mejía.

La publicación de El Arte Peruano en la Escuela, tomos I y II, de Elena Izcue, educadora, ilustradora y artista gráfica peruana, cumple 100 años este 2025. En el marco de esta fecha conmemorativa, la Colección Cooperativa presenta El Arte Peruano en la Escuela – Tomo III, un proyecto que reúne dibujos e ideas de treinta artistas de distintas trayectorias y generaciones.

Arte en la Escuela

Fecha: 29 de setiembre al 4 de octubre 2025

Horario: Lunes a viernes de 10 a.m. a 8 p.m. y sábado de 10 a.m. a 3 p.m.

Lugar: Sala Winternitz, Facultad de Arte y Diseño – PUCP

Esta muestra realiza un recorrido por los procesos de creación del proyecto “Archivo Malva: Expedición Botánica 1”, el cual se llevó a cabo durante noviembre de 2024 en los espacios de la Facultad de Artes Escénicas. Este consistió en activaciones performáticas, un herbario escénico, una expedición botánica y un círculo de saberes sobre medicina en torno a las plantas.

“Memoria de un herbario” explora  los vínculos entre los seres humanos y las plantas asociadas al cuidado de la salud femenina. Durante una semana y a través de cuatro activaciones, las y los visitantes conocerán, de manera sensorial y performativa, la intimidad de los encuentros con las plantas. A través de los registros del proceso y del performance, la intimidad de los encuentros con las plantas se abren de forma sensorial a los visitantes.

Esta es una experiencia interdisciplinar que desdibuja constantemente los límites entre las artes escénicas, las artes visuales, la botánica y su relación con el bienestar personal y colectivo. Es una oportunidad para quienes buscan una vivencia inmersiva que les permita explorar a través de los sentidos y reflexionar acerca del vínculo humano con la naturaleza.

La Facultad de Arte y Diseño, y el Departamento de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica presentan la exposición "Memoria de un herbario: Expedición al proceso creativo del Archivo Malva”. Proyecto seleccionado como parte de la convocatoria a la Sala Winternitz 2025 y receptor del Fondo de Apoyo a la Investigación 2025.

Exposición "Memoria de un herbario: Expedición al proceso creativo del Archivo Malva”

Informe del Acta del Consejo FAD 18/07/2025

Micaela Baca

Informe del Acta del Consejo FAD 28AGO25

Informe del Acta del Consejo FAD 19JUN25

Inauguración: jueves 28 de agosto – 12:00 m.

 Del jueves 28 de agosto al jueves 18 de septiembre

 Lunes a viernes de 10:00 a.m. a 8:00 p.m. / Sábados de 10:00 a.m. a 3:00 p.m.

El ser humano tiende a ver a los animales como mascotas, recursos o símbolos para dinamizar sus mensajes. Sin embargo, su existencia no se limita a su relación con el ser humano; por ello, es necesario concebir a los animales como seres autónomos con quienes la humanidad cohabita en el planeta.

En ese escenario, la exposición Megapets se presenta como un espacio que, a través de distintas técnicas artísticas, busca cuestionar y deconstruir las ideas del imaginario colectivo sobre los animales. Ilustraciones, dibujos, cerámicas e instalaciones muestran a los animales como seres individuales que escapan a las categorías y recuerdan lo inabarcable de su presencia.

Esta exposición fue seleccionada como parte de la convocatoria a la Sala Winternitz de la FAD PUCP para la temporada 2024-2025. Reúne obras de Gabriel Furgiuele, Corticoidea, Piero Figueroa, Jimena Laguna y Alberth Chacón, todos y todas egresados/as de la carrera de Pintura PUCP, con la curaduría del docente docente de la misma especialidad Diego Orihuela.

Egresados de la carrera de Pintura PUCP se reúnen en Megapets, una exposición que busca deconstruir y cuestionar los conceptos e ideas preconcebidas sobre los animales en la Sala Winternitz de la FAD.

MEGAPETS

Esta publicación es el resultado de un proyecto de investigación-creación ganador del Concurso Anual de Proyectos de Investigación (CAP) de la PUCP 2023. Surge con el propósito de resignificar la iconografía precolombina peruana desde el arte y el diseño, promoviendo nuevas lecturas simbólicas, creativas y contemporáneas del patrimonio cultural nacional.

Sandra Tineo, Directora de la carrera de Diseño Gráfico, comenta acerca de cómo nació esta iniciativa de investigar la iconografía de las culturas precolombinas peruanas.

A través de un enfoque interdisciplinario, basado en la investigación-creación, se abordaron los tres mundos de la cosmovisión andina: Hanan Pacha, Kay Pacha y Ukhu Pacha, así como las formas geométricas y principales expresiones iconográficas presentes en cerámicas, textiles, orfebrería y otros soportes. Por su parte, Paul Pinedo, docente de Diseño Gráfico, comenta que "(...) el libro establece un puente entre el conocimiento ancestral y las expresiones artísticas actuales, reafirmando el valor vivo y transformador de nuestra tradición visual.” 

A través de esta metodología, se identificaron aplicaciones contemporáneas de estos símbolos en obras de ilustración, murales, arte visual, entre otros. Esta investigación, además, permite contar el testimonio de los artistas y diseñadores que integran estos íconos en su práctica creativa.

El libro también aborda simbólicamente algunas formas geométricas básicas de construcción iconográfica precolombina. Lejos de ofrecer interpretaciones definitivas, busca abrir el diálogo simbólico y creativo, promoviendo una conexión viva con el pensamiento ancestral y fomentando nuevas narrativas visuales en talleres y procesos creativos.

Finalmente, la Directora de Diseño Gráfico PUCP, Sandra Tineo, resalta la importancia de tomar a la iconografía precolombina como una fuente que debe ser aprovechada y profundizada a través del plan educativo nacional. Sobretodo, por aquellos profesionales y estudiantes dedicados a la creación, pues esta iconografía puede ser considerada como un lenguaje visual simbólico muy cercano al lenguaje contemporáneo. Permite conectar el pasado con el presente, aprovechando y fortaleciendo una estética propia, fomentando el sentido de pertenencia cultural, e inspirando nuevas formas de comunicación visual que trascienden lo decorativo para profundizar en lo simbólico, narrativo y conceptual.

En esencia, esta publicación es una forma de apreciar las prácticas visuales del pasado con el fin de protegerlas y darles la relevancia que se merecen, pero también es una manera de reconocer su legado y el impacto que tienen en las siguientes generaciones de creadores.

Durante el ciclo 2025-1, los docentes de Diseño Gráfico Sandra Tineo, Paul Pinedo y Victoria Ávalos presentaron el libro “Símbolos y signos del antiguo Perú”.

Presentación del libro: Símbolos y signos del antiguo Perú

Duración de la exposición: Hasta el domingo 31 de agosto

Horario: Lunes a domingo de 9 a.m. a 6 p.m.

Lugar: Sala de Arte del Centro Cultural El Olivar (Calle La República 455, San Isidro)

Fecha: Sábado 16 de agostoHorario: 5:30 p.m.Lugar: Auditorio del Centro Cultural El Olivar (Calle La República 455, San Isidro)Participan: Karina Saenz, Nicole Campos, Orion Velit y Patricia Quispe

Fecha: Viernes 22 de agostoHorario: 7:00 p.m.Lugar: Sala de Arte del Centro Cultural El Olivar (Calle La República 455, San Isidro)

Taller de creación artística para infancias y familias

“Sentir y hacer: criaturas imaginarias nacidas del paseo”

Lugar: Sala Multiusos del Centro Cultural El Olivar, San Isidro

En un mundo atravesado por la crisis ecológica, diversos organismos internacionales insisten en la urgencia de generar espacios donde esta realidad se aborde no solo desde las ciencias, sino también desde la experiencia sensible y afectiva que aportan las artes y las humanidades. Espacios que permitan a las personas reconocerse como parte inseparable de la Tierra, aun cuando las estructuras económicas, culturales y sociales conduzcan a un sentir distante de ella. En este horizonte, la creación artística se revela como una necesidad vital: su lenguaje sensible y estético interpela, conmueve y hace visibles las huellas que las decisiones humanas dejan en el planeta, al tiempo que reactiva la memoria de ese vínculo, invitando a repensar las relaciones desde el cuidado y los afectos.

En este contexto, el año 2024, la carrera de Escultura ganó al Fondo para la Innovación en la Docencia Universitaria de la DAP-PUCP con la iniciativa Escultura Sostenible, concebida para integrar el enfoque de sostenibilidad y ecología integral en toda la formación. La propuesta incorporó el pensamiento sistémico y la construcción de sentido compartido como ejes metodológicos, concretándose en procesos de reflexión y acción sobre el uso consciente de prácticas y materiales. Su implementación incluyó seminarios, charlas, talleres y exposiciones artísticas abiertas al público, extendiendo el impacto más allá del campus y favoreciendo un diálogo directo con la ciudadanía.

Este fondo fortaleció el vínculo con la Responsabilidad Social Universitaria (RSU) y orientó el trabajo hacia los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS) 11 —Ciudades y comunidades sostenibles— y 12 —Producción y consumo responsables—. El equipo docente responsable, liderado por Ursula Cogorno, Directora de la Carrera de Escultura, e integrado por los docentes Franco Galliani, Octavio Centurion, Veronica Crousse, Flavia Gandolfo, Marta Cisneros y Raura Oblitas, recibió en 2025 el Premio a la Innovación en Docencia Universitaria, reconocimiento otorgado por la DAP a experiencias transformadoras en la enseñanza universitaria. 

Escultura Sostenible, lejos de concluir con este reconocimiento, busca proyectar lo aprendido y seguir generando impacto dentro y fuera de la universidad. El proyecto impulsa a la comunidad a repensar su rol como creadoras y creadores, portadores de una voz sensible y crítica capaz de abrir nuevas posibilidades para un mundo que las necesita con urgencia. Desde la práctica artística, se asume el compromiso de reutilizar residuos de distinto origen, otorgándoles una segunda vida como obras, y de renovar el vínculo con los elementos de la naturaleza, mirándolos desde perspectivas que fomenten su preservación. Así, el enfoque promueve una reflexión activa sobre el papel de las y los artistas en el presente, y la coherencia entre el pensamiento crítico y las acciones concretas.

La implementación del proyecto atraviesa todo el plan de estudios de la carrera de Escultura, y sus resultados se materializan en la exposición artística “Cultivando Afectos: Escultura Sostenible Volumen 3”, realizada en el Centro Cultural El Olivar con la coordinación general de Franco Galliani, y la participación del equipo docente conformado por Ursula Cogorno, Flavia Gandolfo y Francisco Revoredo. Con el apoyo de la Municipalidad de San Isidro, esta muestra reúne el trabajo de ocho estudiantes de diversos niveles de la carrera: Orion Velit, Patricia Quispe, Nicole Campos, Jordán Gambirazio, Gabriela Gómez, Karina Saenz, Shanon Avellaneda y Fernando Franco, quienes desde la investigación-creación, desarrollan propuestas que cruzan práctica artística y ecología. 

La curaduría del evento entiende la producción artística como un acto de pensamiento crítico y un medio para visibilizar las tensiones que atraviesan la sostenibilidad y la ecología en el contexto actual. Las obras, realizadas con materiales como residuos orgánicos, merma industrial y desechos urbanos, evidencian lenguajes visuales que surgen a partir de experiencias personales y miradas críticas. Invitan al público a cuestionar su relación con el entorno, reconociéndose como parte de un sistema económico de producción y consumo que, mientras sostiene la vida cotidiana, revela sus fallas estructurales, reproduce desigualdades y erosiona ecosistemas y vínculos comunitarios.

La exposición se presenta como un espacio de encuentro y diálogo, donde cada pieza despliega una narrativa y un lenguaje estético singular, resultado de procesos formativos que integran arte, reflexión y compromiso ético. Quien recorra la muestra encontrará diversas perspectivas sobre nuestra conexión con la naturaleza y sobre las múltiples formas en que la sensibilidad artística puede nombrar, interpretar y conmover ante la crisis ecológica que habitamos. Cultivando afectos es, así, una invitación a mirar de otro modo, a reconocer en la materia y en los gestos creativos un puente hacia el cuidado, y a renovar el compromiso con aquello que nos une y sostiene.

La carrera de Escultura de la PUCP presenta “Cultivando afectos” en el Centro Cultural El Olivar, una exposición en el marco del proyecto “Escultura Sostenible”.

Cultivando Afectos: Escultura Sostenible Volumen 3

Visita la exposición "Sindicato de mujeres invisibles" hasta el 16 de agosto.

Galería Espacio ICPNA San Miguel (av. de la Marina 2469)

El proyecto reflexiona sobre cómo se organiza la vida fuera de las estructuras formales del trabajo o de la ciudadanía: en el espacio doméstico, en los vínculos afectivos, en los gestos de cuidado, en los silencios. Contrario a ser una una realidad cerrada o una opinión concreta, esta muestra usa el lenguaje visual para sentir y reflexionar.

“Me interesa pensar qué otros sindicatos podrían existir si el deseo, el descanso o el dolor también fueran considerados causas comunes. ¿Quiénes sostienen la vida sin reconocimiento? ¿Qué formas de trabajo quedan fuera del lenguaje político tradicional?”

La fuente de estas temáticas proviene de la cotidianidad de Pierina a lo largo de su vida. El trabajo diario de su madre en casa y de su padre como sindicalista fueron claves para su perspectiva. Por otro lado, las enfermedades y procesos médicos invasivos por los que pasó, así como las pérdidas de personas muy cercanas dejaron marcas profundas que le hicieron mirar de otra forma al cuerpo y sus límites.

"Me di cuenta de que muchas de esas vivencias —el dolor, el deseo, la imposibilidad, el cansancio, la espera— no tienen un lenguaje político claro, aunque forman parte del tejido social que sostiene la vida. (...) Por eso, mi práctica busca nombrar y visibilizar esas zonas grises. No desde la denuncia directa, sino desde lo simbólico, desde lo visual, desde lenguajes que permiten sentir. Es una forma de reclamar espacio para otras narrativas, para otras formas de existencia que han sido históricamente desplazadas o desestimadas. Y al hacerlo, también propongo imaginar otras maneras de organizarnos, más afectivas, más colectivas, más libres."

En el trabajo de Pierina, la memoria, lo político y la imaginación, están estrechamente vinculados. Por ello, la exposición se enmarca en la ciuad de Lima, una sociedad desigual y fragmentada, pero con acciones cotidianas que evidencian la resistencia de sus individuos. Es el lugar donde Pierina enmarca sus memorias y archivo emocional: sus experiencias de vida, las formas en que aprendió lo que era el trabajo, el cuerpo y el cuidado.

En este contexto, Pierina recurre a la imaginación como herramienta de resistencia. No busca evadir la realidad, sino ensayar otras formas de existencia. 

"En ese sentido, mi trabajo se alinea con prácticas especulativas feministas que proponen pensar desde el deseo, desde el cuerpo, desde la posibilidad de inventar mundos habitables fuera del mandato de la productividad y el sacrificio. Imaginar para mi es una herramienta política que permite sostenerse en medio del duelo, del cansancio, del desencanto. Imaginar, es insistir en seguir vivas."

En resumen, quienes visiten esta "Sindicato de mujeres invisibles" encontrarán

 cuerpos, deseos y memorias que han sido históricamente invisibilizadas. Piezas que relatan más de una historia y buscan otra forma de hacer política, no centrada en las cifras, la denuncia explícita o el convencimiento, sino invitando a un sindicato ficticio, pero que busca visibilizar situaciones que existen.

Pierina Masquez fue la ganadora de la beca ICPNA Artus, para realizar la residencia artística Gasworks en Londres.Durante esta residencia, desarrollará la segunda parte de este proyecto.

Pierina Masquez, docente FAD y egresada de la carrera de Pintura PUCP presenta en el ICPNA de San Miguel 

 una propuesta que imagina nuevas formas de organización colectiva desde cuerpos históricamente excluidos: cuerpos feminizados, no reproductivos, enfermos, deseantes, no productivos.

Pierina Masquez- Orgullo FAD - Sindicato de mujeres invisibles

 Aprobar 4 cursos hasta alcanzar 12 créditos 

Lleva tu formación artística y de diseño a un nivel de impacto social. Esta concentración te prepara para gestionar proyectos colaborativos que generen cambios reales en comunidades, integrando el arte y el diseño como herramientas de transformación con enfoque ético, participativo y sostenible.

Desarrollarás habilidades en gestión cultural, metodologías participativas y comunicación visual, aplicándolas en contextos reales a través de una formación práctica e interdisciplinaria. Elige entre cursos especializados que fortalecerán tu perfil en educación artística, intervenciones territoriales, diseño social o estrategias de difusión cultural. Convierte tu creatividad en un motor de cambio y forma parte de una nueva generación de profesionales que unen el arte, el diseño y el compromiso social.

Concentración Gestión de Proyectos Comunitarios desde el Arte y el Diseño

 Aprobar los 02 cursos obligatorios y complementar con cursos electivos hasta completar 13 o 14 créditos. 

En un mundo donde las imágenes comunican más que las palabras, la ilustración se ha convertido en una herramienta esencial para contar historias, transmitir ideas y conectar con audiencias diversas. Con nuestra concentración en Ilustración, desarrollarás las habilidades para destacarte como un creador versátil, capaz de fusionar arte, diseño y narrativa en proyectos innovadores.

Explora técnicas tradicionales y digitales, desde el dibujo a mano hasta la ilustración vectorial y el diseño de personajes, mientras aprendes a aplicar tu creatividad en campos como la editorial, la animación, los medios digitales y la investigación-creación. Con acceso a talleres especializados, laboratorios de vanguardia y la guía de docentes expertos, transformarás tus ideas en piezas visuales impactantes.

Concentración Ilustración

El público que visite la muestra podrá disfrutar del resultado de un proceso de más de dos años de diálogo, experimentación, viajes, pruebas y errores. Un trabajo que se completará con la presencia y mirada personal de cada visitante.

La propuesta se encuentra en la Sala Azul de la Casa O´Higgins de la PUCP en el Centro Histórico de Lima. La muestra se puede visitar hasta el domingo 3 de agosto de 10 a 8 p.m. El ingreso es libre.

A través de “El viaje de la montaña”, Les aborda la conexión entre los seres, el territorio y la memoria. La exposición consta de siete pinturas de gran formato que acompañadas de audios y un video experimental invitan al público a recorrer un viaje íntimo y sensorial hacia la montaña, entendida como un espacio vivo y sagrado.

Para realizar estas obras, Les se embarcó en una investigación bastante personal, la cual fue guiada por un mapa afectivo que la llevó a recorrer San Rafael y la Laguna Mancapozo (Huánuco), el Río Ucayali (Ucayali), el Río Amazonas (Loreto), y el Río Lurín (Lima). 

“Son puntos históricos familiares donde mis abuelos maternos nacieron y en donde se conocieron, también ciudades donde mis padres se conocieron y finalmente donde crecí.” comenta Les.

Les plantea al arte como una forma de conservar los paisajes peruanos desde la experiencia sensible, las historias, formas, texturas y emociones que despiertan. “Para mí, el arte puede hacer visibles las relaciones profundas entre lo humano y lo no humano — como los ríos, montañas y lagos— y recordarnos que la tierra no solo nos sostiene, sino que también nos habla y nos enseña.” Por ello, decidió retratar estos espacios en sus pinturas, brindándoles no solo una dimensión visual, sino también sonora que complementa el viaje por estos.

“Las composiciones sonoras acompañan como espíritus del viaje, son también sonidos de protección para el encuentro con los seres que habitan y recorren la sala de exhibición, son también ofrendas de agradecimiento hacia el río, las plantas y la montaña. (...) Se activan en el encuentro con lxs otrxs, evocando la etimología de la palabra 

, y recordando que la tierra se escucha tanto como se contempla.”

Esta exposición está curada por Luisa Fernanda Lindo, quien también es egresada de la carrera de Pintura y, además, es docente de la Facultad de Arte y Diseño en la actualidad. Luisa Fernanda se sumó a este proyecto por medio de Les quien la invitó a acompañarla desde la curaduría. “En ese momento yo vivía en el campo, así que la recibí, me contó de su deseo de ofrendar a la montaña y lo sentí completamente en sintonía con mi presente.” Tras ello, ambas continuaron conversando acerca de esta propuesta expositiva, la cual empezó a calar en sus vidas, el vínculo entre ellas y con la tierra, a la cual consideran como su casa. 

Luisa Fernanda, como curadora de la muestra, comenta acerca del criterio expositivo que rige “El viaje de la montaña”. “(...) pienso la sala como un espacio ritual y me interesa que las pinturas que penden desde el techo y muestran dos caras, como una continuidad, como el día y la noche, fuesen rodeadas. Entonces, la forma serpenteante asemeja al río que acompaña a la montaña.”

La artista y egresada de la carrera de Pintura, Les Egusquiza, expone en la  Sala Azul de la Casa O’Higgins la muestra “El viaje de la montaña” curada por la docente FAD Luisa Fernanda Lindo.

Orgullo FAD: El viaje de la montaña - Les Egusquiza, curaduría de Luisa Fernanda Lindo

Leyla Fernandez

Lisbeth Hernandez

"El Toque Criollo" se encuentra ahora como parte de las salas expositivas del Tate Modern, lo cual coloca en una vitrina de escala global al archivo de viniles del docente FAD, Raimond Chaves.

Como pasa a menudo en un inicio no hubo una idea de proyecto. Sucedió un hecho concreto: el hallazgo, en 2002, en el mercado de Tacora en La Victoria, de un viejo disco LP editado a finales de los años 60 por Discos Chaves. Este fue un sello discográfico propiedad de mi tío, que él dirigía en la ciudad de Pasto, al sur de Colombia. 

Ese encuentro propició un taller en el Centro Cultural de España en el que invité a los participantes a elaborar imágenes, vía collage digital, usando el formato de las portadas de discos. La idea era cruzar imágenes de archivo, del álbum familiar y del contexto para hacer que esos collages funcionaran como comentarios políticos, sociales y culturales. Lo del álbum familiar tenía mucho sentido pues, mi tío, en los discos que editaba solía recurrir a la familia, es decir a mis primos y primas, a mi madre, entre otros, para hacerlos aparecer en sus portadas.

El taller quedó en ese punto y no tuvo mayor continuidad, lo que si hice aprovechando una época muy viajera, fue empezar a comprar discos en Perú y otros lugares como Colombia, Ecuador, Venezuela, Brasil, Puerto Rico, México, República Dominicana y Nueva York con una idea más clara de empezar a construir una especie de archivo. Esas imágenes contaban muchas más cosas, de lo que a priori pudiera pensarse, sobre el contexto latinoamericano. 

El siguiente paso, en 2003, fue mostrar en una galería de arte en Bogotá una primera versión de El Toque Criollo como archivo de meras imágenes. En 2004 fui invitado por la primavera fotográfica de Barcelona a exponer ese trabajo, pero en esa ocasión el formato fue el de la charla musicalizada pues había empezado a escribir una serie de notas sobre las imágenes. Una presentación híbrida, a mitad de camino entre la charla magistral y una sesión de dj, que daría pie a más versiones en los años venideros. Esas portadas daban para contar montones de cosas y a las canciones también se les podía mucho sacar jugo. En 2006 volví a mostrar las caratulas, acompañadas de esos comentarios, en la Bienal de Sao Paulo y a raíz de eso fue que la Tate Modern se interesó y acabó adquiriendo la pieza. De todas maneras, seguí adquiriendo más vinilos y continué la labor de archivo que desde ese momento se volcó en las charlas.

Más que proyecto, fue un trabajo en proceso que se fue desplegando, creciendo y mudando de formatos entre 2003 y 2015, que fue cuando hice la última presentación musicalizada.

¿Cuáles son algunos de los misterios que se revelan sobre América Latina en estas portadas de vinilos desempolvados?

Más que misterios diría que son constataciones, una mezcla de deseos, imaginarios y reafirmaciones identitarias. También hay que decir que es un conjunto muy variado por más que haya ciertos temas y tipos de imágenes recurrentes. Las portadas muestran de manera clara su ideología, es decir muchas de ellas son machistas, misóginas, patriarcales, clasistas y están muy marcadas colonialmente.

Pero la idea no era ni mucho menos celebrar eso, sino intentar darle la vuelta, reconocer que esas imágenes, nos guste o no, dan una idea de en qué se reconocen nuestras sociedades. De ahí mi voluntad de utilizarlas como un espejo deformado para confrontar lo que todavía, a pesar de cambios positivos, en gran medida, somos social y culturalmente hablando. Claro que también hay otro tipo de imágenes. Portadas que hacen gala de un sentido del humor bizarro y descolocador que no se casa con nadie, otras son sinceras y honestas celebrando lo local y lo autóctono. Algunas son más neutras, otras son costumbristas y hasta inocentes e incluso en algunos casos utópicas. Hay discos conmemorativos como el que celebra la visita de Fidel Castro a Chile en 1971, o sendos discos de homenaje al guerrillero colombiano del M19 Carlos Pizarro, o al narcotraficante, del mismo país, Gonzalo Rodríguez Gacha.

En realidad, las portadas entre los años 60’s y 70’s son muy interesantes pues desarrollan de una manera muy orgánica y nada programática una estética digamos continental, pero que es previa y no está todavía marcada por la globalización y la implantación del modelo económico-político neoliberal.

¿Cuáles fueron los criterios de selección de las portadas expuestas?

El criterio guía que seguí desde un principio fue considerarlas como “documentos históricos” y proponer “escuchar” a esas imágenes para ver qué tenían por contar. Eso pasaba por no considerar a las portadas como elementos aislados. Era necesario agruparlas por parejas, tríos o grupos más grandes para ponerlas a chocar entre ellas. Para que de esta manera los posibles sentidos de las imágenes, al articularse entre sí, crearan lecturas más complejas del contexto latinoamericano. Forzar lo explícito para hacer posible la ambigüedad. 

En otras ocasiones el contrapunto venía de la mano de mis notas y reflexiones buscando contrastar realidades muy contemporáneas y violentas con la aparente vacuidad añeja de algunas imágenes. En las charlas ese contraste a veces era propiciado por los temas musicales escogidos para acompañar a las imágenes.

Un criterio de fondo fue intentar hablar del presente y de lo que del pasado todavía persiste, es decir conflictos y problemáticas no resueltas, a través de un tipo de imágenes con las que varias generaciones habían convivido. En las presentaciones era muy común escuchar que, quién más quien menos, se reconocía esas imágenes pues en sus casas tenían o habían tenido esos discos.

Esa lectura oblicua que se proponía permitía pensar de manera no tan obvia y previsible nuestro contexto. Violencia, deseo y desigualdades hermanadas con la frivolidad, la irreverencia y el sentido del humor. Un cóctel muy actual por otra parte.

¿Qué rol cumple la arbitrariedad en este proceso?

Un rol muy importante. No había una manera fija de crear sentido. A veces las imágenes hablan por sí solas y en otras ocasiones las combinaciones abren la puerta a nuevos relatos. En algunos casos se trataba de proponer asociaciones no muy previsibles, en otros, por el contrario, se trataba de forzar y extremar de manera insistente ciertos sesgos y patrones. Esa arbitrariedad es la que guiaba las decisiones de edición y montaje. Como para dar la sensación de que el relato surgía casi por la propia voluntad de las imágenes.

¿Qué género de música distribuía principalmente la disquera "Discos Chaves"?

Una mezcla de géneros muy locales. Bambucos, pasillos y guabinas que son géneros musicales autóctonos con mucha tradición sobre todo en el sur de Colombia y Ecuador. Pero también boleros, adaptaciones de valses peruanos, música de cantina, raspa, chucu-chucu y música tropical bailable. Pero en el Toque Criollo el porcentaje de Discos Chaves es pequeño en relación al total de portadas utilizadas.

¿Has escuchado alguno de los discos cuyas fundas están siendo expuestas?

He escuchado la mayoría. En algunas ocasiones he llegado a comprar meras portadas sin vinilo o con el vinilo equivocado.

¿Cómo funcionaba la elaboración de las portadas en “Discos Chaves”? ¿Había una persona que se encargaba del diseño en la disquera?

Mi tío se encargaba de ello, más adelante mis primos más mayores se involucraron en ello. También tenían un almacén familiar, del que se encargaba mi tía, en el que se vendían los discos y también instrumentos musicales. Y en Cali mis tías hacían lo propio en otro negocio de su propiedad. Eran el exponente de una clase popular que ascendió socialmente y que con el tiempo se convirtió en una especie de pequeña burguesía local. Todos bastante conservadores la verdad.

¿Hay alguna sensación común que te provoquen las imágenes de las portadas de los discos?

Mi tío nos enviaba cada navidad los discos por correo a Barcelona que es donde vivía mi familia. Crecí con ellos, pero como suele suceder no fue si no mucho tiempo después que me di cuenta de su importancia y valor. Toda mi vida he vivido rodeado de vinilos, y aunque en realidad siempre ha sido así, no es hasta más tarde que caes en cuenta que las imágenes también “suenan”. Y lo hacen de maneras no tan previsibles. Supongo que es el tránsito entre adorar imágenes hacia una visión más materialista la cual te lleva a considerarlas como documentos y estratos de sentido. Eso sí, sin perder el deseo y la ambigüedad por el camino.

¿Cuál es la reincidencia de los “ovnis” en los discos de música chicha peruanos de los 80’s y cómo es que esta portada se inserta en el tejido social-cultural peruano de entonces?

Quizás fue un simple guiño comercial dado el auge que en esa época tenían ciertas figuras locales ligadas a supuestos avistamientos de OVNIS. O, por el contrario, y prefiero esta hipótesis, era una manera de sentirse, de manera positiva y en clave emancipadora, como un alienígena en un contexto racista y hostil. La idea utópica de pensar que el futuro iba unido al progreso y a la superación de conflictos y desigualdades. Algo similar a lo que en los Estados Unidos se ha venido en denominar, de manera retrospectiva a veces, Afrofuturismo. El equivalente local, más reciente, y que se conoce entre nosotros como Futurismo Andino. En su momento un músico de jazz afroamericano como Sun Ra desarrolló esa idea de conexiones interestelares tanto en su música como en clave ideológica. Dudo que haya habido, en su momento, un conocimiento entre esas experiencias, pero, no importa, muchas veces -y eso ocurría bastante antes de la globalización, se reaccionaba de maneras parecidas a coyunturas complicadas y angustiantes.

¿Podrías comentarnos de la portada del disco “Fogoso Impacto” de Enrique Lynch y su conjunto?

En lo que tiene algo de pirueta argumentativa propongo entenderla como una versión -involuntaria- del 

, la pieza objetual de Marcel Duchamp. Para ello sigo la lectura que de esa obra hace el poeta e intelectual mexicano Octavio Paz y resulta que, de manera un tanto “arbitraria”, aunque quizás no tanto, empiezo a encontrar paralelos entre lo que muestra 

 y la interpretación que de Duchamp hace Paz. Lo que reafirma mi voluntad de “dejar hablar” a las imágenes y por tanto la necesidad de “escucharlas” y no tanto interpretarlas o analizarlas. Eso que con tanta insistencia se arrogan ciertas disciplinas.

¿Qué relación encuentras entre la creación de estas portadas y la práctica artística latinoamericana actual?

Quizás no son tan actuales, pero se me vienen nombres de artistas con una impronta pop y a la vez interesados por lo autóctono y que tanto leen lo global desde una óptica local, como se preguntan sobre cómo incide lo global en nuestros contextos. Pienso en los mexicanos Felipe Ehrenberg y Melquiades Herrera, o lxs colombianxs, Beatriz González o Wilson Díaz y Juan Mejía ambos más jóvenes. O el peruano William Córdova que también tiene una obra hecha con carátulas de discos. Y con otra realidad y otros íconos en mente, por ser mucho más jóvenes lxs peruanxs Jorge Miyagui o Alliepori.